Jubiläum: Zum 10. Mal findet dieses Jahr vom 18.6. bis 6.7. das Festival des deutschen Films in Ludwigshafen, pardon: der Metropolregion Rhein-Neckar statt. Und macht selbstbewusst dem Filmfest München (27.6. bis 5.7.) Konkurrenz. Und was sind schon Gäste wie Walter Hill, Wim Wenders, Jean-Pierre Jeunet oder Klaus Lemke, dem in der bayerischen Hauptstadt eine Hommage gewidmet wird gegen die idyllische Parkinsel im Rhein?
Viel Spaß bei Screenshot!
Grindhouse-Nachlese September 2021: Tollwütige, Slaughter, ein rasender Planet
11. September 2021: Grindhouse Triple Feature, Cinema Quadrat, Mannheim
Die Tollwütigen / I Drink Your Blood / Die Satansbande / Blood Suckers, USA 1970, R: David E. Durston
Slaughter, USA 2972, R: Jack Starrett
Ufos zerstören die Erde / Yōsei Gorasu, JAP 1962, R: Ishirô Honda
Es war Lockdown. Es gab kein Kino, und als Kino im letzten Herbst dann doch wieder möglich war und damit auch die Grindhouse-Abende im Cinema Quadrat, war wieder Lockdown.
Ich habe, und darauf weise ich jetzt mal einfach so hin, während dieser grindhouselosen Zeit das Buch Grindhouse-Kino. Schund – Trash – Exploitation deluxe! zusammengestellt, aus all den fantastischen Screenshot-Texten hier, und möchte auch betonen, dass bald Weihnachten ist!
Das Buch kann als eine Art haptischer Zwischenstand der Grindhouse-Nachlesen verstanden werden, aber natürlich kein Endpunkt, es geht weiter, und nach dem Lockdown ist vor dem Grindhouse – weshalb nun, als es wieder ging, das Cinema Quadrat gleich ein Triple-Feature geschmissen hat, eines, das tief hineinfährt in die filmischen Grundlagen des Bahnhofskinos. Und auf verblüffende Weise mit der Gegenwart korrespondiert.
Im Wald sitzen ein paar, und der Obermotz von ihnen hält eine Predigt über Satan, über sich selbst als dessen Nachkommen, über die Freiheit des Tuns und das Loslassen des Bösen in einem, und drumrum sitzen seine Jünger. Wie wir allmählich erkennen, sind sie nackt, vor ihnen liegt eine Dame, und jemand hat ein Huhn, und der Satansschamane ein Messer, aber da! Hinterm Baum steht eine und guckt zu, fasziniert und abgestoßen zugleich. Als die Bande sie entdeckt, wird sie gejagt, sie stolpert, die Satanisten über ihr, Schnitt. Die brutale Vergewaltigung sehen wir in ihren Auswirkungen, als die junge Frau ins Dorf torkelt, körperliche und seelisch fertig, vollkommen traumatisiert.
Die Satanisten wollen sich in diesem Dorf niederlassen, und nachdem wir sie beim Ritual kennengelernt haben und bei der Grausamkeit gegen andere, lernen wir sei jetzt bei ihren internen Späßen kennen: Einer schläft im Lieferwagen und die anderen spielen ihm einen Streich, indem sie das Auto einen Abhang runterschubsen. Hahaha! Man ist also auch untereinander arschig.
Das Dorf ist so gut wie verlassen, nur wenige Einwohner gibt
es, die Häuser sind verfallen, ein Geisterort für Satanisten, perfekt! Im alten
Hotel nisten sie sich ein und jagen erstmal Ratten, das macht Spaß, und der
Gewinner bei der Ratz-Hatz darf eine Nacht lang Boss sein. Das führt dazu, dass
der Underdog im Team an den Füßen aufgeritzt wird und am Dachbalken aufgehängt,
ja so ist das, wer mitmachen will, muss leiden!
Klar nehmen alle LSD.
Bemerkenswert ist, wie divers der Film besetzt ist. Der Boss ist Inder – ich dachte beim Gucken erst: Indianer, aber nein, laut Internet: Inder; eine Ostasiatin gibt es, einen Schwarzen, einen Hispanic. Bemerkenswert auch, wie der Film trotz (und aus) seiner Diversität untergründig Ressentiments schürt: Die Genannten sind die Bösesten, und der Gute unter den Satanisten ist ein blonder Weißer, der überläuft, der sich nämlich in die Vergewaltigte verliebt hat. Die übrigens anderntags eigentlich nix mehr spürt und sich zurückverliebt.
Nun haben wir aber nicht nur die Teufelsanbeter, die Terror
machen, gegen die paar, denen sie begegnen, und gegen sich selbst, sondern wir
haben auch noch Pete. Der ist vielleicht zwölf Jahre alt und der Enkel vom
örtlichen Tierarzt – den gibt’s noch, außerdem eine Bäckerei, sonstige Bürger
Fehlanzeige –, und der findet die Satanisten blöd, und weil er weiß, wie’s
geht, erschießt er einen tollwütigen Hund, der plötzlich durchs Bild läuft, und
dessen Blut impft er in die Hackfleischpasteten aus der Bäckerei als leckeres
Mahl für die Bösewichter. Nun wird aus der Charliemansonploitation eine
unglaubliche Sause, denn der Tierarzt erkennt ganz klar: Diese Tollwut macht
ungeheuer toll und wütend, und die wildgewordenen Infizierten werden wild auf
frisches Fleisch, und auch sonst verlieren sie einige Hemmungen, und sie haben
großen Durst und zugleich Angst vor Wasser.
Der Virologe hat gesprochen, und die Krankheit breitet sich
aus. Nach dem Nachtmahl nämlich schlachtet erstmal der Schwarze seine
Teufelskollegen ab, hat ein Beil gefunden, Flucht in alle Richtungen, und
oberhalb des Dorfes, da gibt es einen Staudamm. Der leitende Ingenieur will nix
wissen von der Gefahr, die von den Satanisten ausgeht, und von der Tollwut weiß
er da noch gar nichts! Schickt seine Leute trotzdem los, mal nach dem Rechten
zu sehen, da, eine Anhalterin, eine der Verfolgten, sie geizt nicht mit ihren
Reizen, und alsbald kommt’s zum Rudelbums im Staudammarbeitercamp. Tja. Weniger
anregend als ansteckend.
Max, der Kurator der Grindhouse-Reihe, hat kurz vor Beginn des Abends bemerkt, wie passend ein Film über diese Seuchenausbreitung ist. Wollte er eigentlich gar nicht in dieser Weise machen, die Gegenwart kommentieren, aber so ist das mit guten Filmen: Auch 50 Jahre später passen sie wie die Faust aufs Auge. Ähnlich wie Zombies, nur lebendig und durchaus schlau, überrollen die Tollwut-Infizierten die noch Gesunden, in hochgradigem Blutrausch. Beine absägen und Köpfe abhauen: Kein Ding!
„Die Tollwütigen“ ist natürlich ein Reißer, der sich auf die Hippieundergroundszene stützt und auf die Satanisten, die da in Hollywood Polanski häckseln wollten, der auch noch Romeros „Nacht der lebenden Toten“ toppen will, das alles aber für billig Geld, und der aus seinem langsamen Beginn eine unglaubliche Dynamik entfaltet, Tollwut ist ja super ansteckend. Schaum am Mund und Mordlust im Auge!
„Slaughter“ ist
ein früher Blaxploitationfilm mit Jim Brown in der Hauptrolle. Wer er
eigentlich ist, weiß ich gar nicht mehr so recht, auf jeden Fall Vietnamveteran,
und er will Rache, weil sein Vater in die Luft gesprengt wurde. Der hatte
irgendwas mit der Unterwelt am Laufen, ist egal, ein Mordanschlag hat ihn
erwischt, und auf jeden Fall gibt es da eine Dame, die sich zuerst als
Reporterin ausgibt und dann nackig in Slaughters Bad auftaucht, und sie ist die
Botin von Mr. Price. Schöner Name für einen, der’n hohen Posten beim Finanzamt
hat! Mr. Price ist also so etwas wie die US-Version von Olaf Scholz (schönen
Gruß! In zwei Stunden schließen die Wahllokale…), er hat eine Menge Agenten
überall, die die Bösewichter der Welt überwachen, und weil Slaughter ebenfalls
seinem Namen alle Ehre macht, hat Price ihn an den Eiern. Sie haben nämlich
einen gemeinsamen Feind; Slaughter muss also nun die Finanzministeriums-Drecksarbeit
machen, muss der bisher unfassbaren Gangsterbande nachsteigen, die so viele
Schurkereien macht und jetzt irgendwas mit Computern vorhat. Ich hab nicht
kapiert, was genau, weil wenn’s um Steuern geht, gehen bei mir die Schotten
dicht, verstanden hab ich aber, dass so eine Lochkarte irgendwelche Daten
enthält, damit sie als MacGuffin funktionieren kann und Slaughter was hat, an
dem er sich festhalten kann, weil’s jetzt nach Südamerika geht.
Wohin genau hält der Film gegenüber dem Zuschauer geheim, weil der Dreh in Mexiko nur unter der Auflage genehmigt wurde, dass Mexiko nicht schlecht rüberkommt, sprich: nicht erwähnt wird. Dort aalt sich Slaughter am Pool, zusammen mit Sidekick Harry, der ist die lustige Figur im Film und der örtliche Finanzamtsgeheimagent, und die beiden ermitteln fleißig, indem Harry Frauen anbaggert und Slaughter Informationen bekommt.
Kurz und gut: Da gibt’s ein Casino, das dem Schurken gehört,
aber es gibt nicht nur den einen Schurken, sondern auch noch den Oberboss-Schurken,
der bleibt im Hintergrund und lässt seine Geschäfte laufen, aber sein
Unterschurke ist wild und crazy, er
hat auch die Autobombe für Slaughters Papa gelegt, er weiß, wie der Hase läuft,
glaubt er, ist aber ein Heißsporn – Rip Torn spielt ihn, es ist unglaublich,
ein totaler Psycho! Ein besitzergreifender, eifersüchtiger Laffe, der die Macht
und den Anspruch hat, jeden zu killen, der ihm querkommt, der vor nichts
zurückschreckt, egomanisch und fies und ehrgeizig, erzrassistisch sowieso. Also
alles, was den Aufstieg garantieren mag, außer dass er ’n bisschen eine zu
kurze Zündschnur hat und dann strategisch nicht so die guten Entscheidungen
trifft, aus Sicht des Kriminalitätsnetzwerkes, in dem er sich hochkämpft. Seine
Blonde wird zum love object von
Slaughter, gut, das ist jetzt keine Überraschung, aber für Dominic, den
Psychopathen, ein weiterer Trigger.
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| Im Ringen mit den Finanzministerium |
Blaxploitation ist erstmal per definitionem cool, und wenn Jim Brown die Hauptrolle hat, dann sowieso. Der macht nicht so sehr auf Macho und Pimp, wie’s später zum Standard wird im Genre, sondern ist einfach ein Actionheld, Hautfarbe schwarz. In diesem Fall offiziell in Diensten des Finanzministerium (ich krieg mich immer noch nicht ein deswegen!), aber natürlich vor allem in eigener Mission. Ihm ist klar und er sagt es laut: „Mr. Price, you’re a prick!“; der lässt’s sich’s gefallen, weil er sich’s leisten kann, es sich gefallen zu lassen. Slaughter hat da nämlich schon zugestimmt, bei den Gangstern aufzuräumen, und dass er auf eigene Rechnung arbeitet, ist für den Herrn Finanzbeamten ja auch gut für die moralische Bilanz.
Eine ordentliche Schießerei rundet alles ab, aber vor allem knallt der Titelsong rein: Harter E-Gitarrenriff und funkiger Rocksound von keinem Geringeren als Billy Preston, der hat ja für die Stones und die Beatles georgelt und haut hier richtig drauf: „My advice to you is this: if you shoot at him, you better not miss!“
Wir hatten eine Seuche. Wir hatten das Finanzministerium auf
Gangsterjagd. Es fehlt noch die globale Bedrohung und der Disput zwischen
Wissenschaft, die weiß, was zu tun ist, und Politik, die grad so rumeiert. Es
fehlt also „Ufos zerstören die Erde“!
Ein Titel, der Unfug ist, weil kein Wort von Ufos fällt, und Außerirdische gibt’s auch nicht, sondern den Planeten Gorath, der aus den Tiefen des Weltalls kommend Kurs auf die Erde genommen hat.
Zwei junge Frauen fahren im Auto ans Meer und wollen sich gerade ausziehen (und das ist so eine kleine Neckerei: Sie haben nämlich keine Badeanzüge dabei, Nacktbaden ist also angesagt!), aber da gucken sie in den Himmel: Denn eine Rakete steigt auf, darin von der einen den Papa, von der anderen der Verlobte. Die Mission ist ganz klar: Die Radialsphäre ist viel zu stark frequentiert! Oder so ähnlich, was Astrophysisches halt, auf jeden Fall muss man mal raus und nachsehen, sagt die Weltregierung.
Wir befinden uns, wenn ich die japanischen Zeitungsschlagzeileneinschübe richtig entziffert habe, irgendwann zwischen 1979 und 1981. Die UN regiert, die einzelnen Länder sind in einem föderalen System miteinander verbunden, die Ost- und Westblöcke sind überwunden. Das heißt aber nicht, dass die Borniertheit und der nationale Stolz keine Rolle mehr spielen! Japan bildet sich einiges darauf ein, dass die Rakete nach draußen der hiesigen Forschung zu verdanken ist, auf dem Weg ans Rand des Sonnensystems grüßen beim Saturn die amerikanischen und europäischen Raumstationen, doch was ist das! Gorath wird vom Computer berechnet, sein Kurs wird genau auf die Erde treffen – er ist zwar kleiner, aber 600 Mal mehr Masse! Oder Volumen, das wird im Film auch mal verwechselt, so wie Gorath mal Planet, mal Stern ist (von letzterem ist anzunehmen, dass „Fixstern“ gemeint ist); Astrophysik halt, da steigt man nicht immer durch als Filmemacher Schrägstrich Synchronregisseur.
Der heroische Untergang dieser ersten Rakete – mannhaft für
das große Ganze! – erschüttert die Nation, vor allem aber die Wissenschaft, die
mehr Daten braucht, und er stachelt die Brigade junger Astronauten auf, ein tolldreister
Haufen verwegener Männer voll Abenteuerlust! Die Politik aber mauert, so viel
Geld, und jetzt ist doch erst eine Rakete kaputtgegangen, und die
Wissenschaftler mahnen, und dann wird aber quasi rumgemerkelt: „Politik ist
das, was möglich ist“, und was möglich ist, bestimmt immer noch die Politik,
und die Wissenschaft verzweifelt, kurz: Es ist ein Schauspiel wie zu Corona-
und Klimakrisenzeiten 60 Jahre nach der Filmpremiere, schon wieder ein so
visionäres Werk!
Die Rakete, die aussieht wie eine V2, nur nicht kariert, steht da, wird aber nicht abgefeuert, weil Gorath ist ja noch weit weg, aber die UN versammelt sich, die Weltregierung sagt: Doch, jetzt muss was getan werden, und mit Atomkraft soll der Planet weggesprengt oder vielleicht auch nur abgelenkt werden. Plan B gibt es auch, aber das verrate ich noch nicht.
In der Rakete ist der tolldreisteste Verwegene, ein junger Mann, der sich in die Frau vom Anfang verliebt hat, und da deren Verlobter ja im All geblieben ist, rechnet er sich Chancen aus. Eine Liebesgeschichte muss eben auch in einem Wissenschaftsfilm sein! Im All nähert sich die Crew Gorath, der junge Liebhaber steigt in eine Forschungsraumkapsel und kommt völlig derangiert wieder zurück, weil sein Gehirn vom Planeten Gorath gelöscht wurde, er jedenfalls derartige geistige Überwältigung nicht verarbeiten konnte. Man darf ihm nicht zu Nahe kommen. Sagt jemand „Solaris“?
Ein Weichei auf der Erde, dem keiner was zutraut, hatte aber
zum Glück noch eine andere Idee: Man könnte ja die Erde vom Kurs abbringen. Die
UN hat auch das beschlossen, und nach einigem Zögern stimmen die Länder der
Erde zu, ihre Geheimnisse um Nuklearkraft, um Tritium und Deuterium nicht
länger vor anderen zu verstecken, sondern für die gemeinsame Anstrengung zum
Überleben des Planeten mitnand zu teilen. Auf der Antarktis werden in kürzester
Zeit riesige Düsen gebaut, und hier wird klar, warum Regisseur Ishirô Honda der
beste Mann für diesen Film ist: Wer „Godzilla“ kann, der kann auch diese
Großbaustelle inszenieren! Es ist unglaublich schön, so liebevoll und
detailliert, diese Modelllandschaft mit halbfertigen Gebäuden, riesigen Kränen,
mit Schaufelbaggern, mit Transportbändern, mit Containern und kleinen Menschen,
alles in Fitzelarbeit aufgebaut, und das nur, um es dann wieder zu zerstören,
weil sich die Erde bewegt und vieles einstürzt!
Als alles doch fertig ist, und die Düsen gezündet werden, da
passiert noch was. Plötzlich nämlich tut sich ein Riss auf, die Kommandozentrale
ist im Eimer, und erstmal weiß keiner warum, nur wir Filmzuschauer sehen es: Da
wurde offenbar ein riesiges Urzeitmonster aufgeweckt, eine Art
Walrossungeheuer, das seinem Unmut freien Lauf lässt, wiewohl es noch etwas
verschlafen wirkt!
Monster muss sein, daran haben wir bisher nicht gedacht!
Was uns dieser Film also lehrt, ist letztendlich optimistisch: Trotz größter Opfer, trotz unvorhersehbarer Ereignisse, trotz saumseliger Politiker kann die Menschheit zusammenwachsen, kann sich ihrer größten Bedrohung stellen, ob aus dem Weltall oder aus den Tiefen des antarktischen Eises. Aber es ist ein Kampf, ein Kampf gegen viele Widerstände, und am Ende ist doch noch nicht alles wieder an seinen Platz zurechtgerückt. Dass des Astronauten Gedächtnis wieder da ist, und seine Liebe zur Dame seines Herzens auch, ist aber ein Trost.
Harald Mühlbeyer
Grindhouse-Nachlese Januar 2020: "Mosquito – Der Schänder" und "Der Krieger und die Hexe"
"Mosquito – Der
Schänder", Schweiz 1977, Regie: Marijan Vajda
"The Warrior and
the Scorceress" / "Der Krieger und die Hexe", USA 1984, Regie: John
C. Broderick
Die Schweizer! Dieses gemütliche Völkchen hinter den sieben
Bergen, mit Schokolade und Alm-Öhi und brüderlicher Liebe, 500 Jahre Demokratie
und Frieden, und was haben wir davon? Die Kuckucksuhr! Und natürlich diesen
Film, der, man fasst es nicht, ohne
Erwin C. Dietrich produziert wurde! Und dessen Titel "Mosquito – der Schänder" auch noch komplett wahr ist,
obwohl er sich so reißerisch anhört wie tausend andere Filme: Die Hauptfigur
nennt sich Mosquito. Und sie ist ein Schänder, von Frauen, besser: von
Frauenleichen. Denn der Moskito steigt nachts ein in Beerdigungsinstitute, in
Leichenschauhäuser, und dort sucht er sich eine aus, die da im Sarge liegt, und
liebkost sie. Sticht auch mal mit dem Messer in ihre Brust, um ihr Blut zu
sehen – rote Milch, die ihn nähren soll. Denn das ist sein Liebstes: Den roten
Lebenssaft aus den toten Körpern zu trinken, und hui, wie das Blut fließt, als
sei es noch frisch!
Jetzt: Wer hat's erfunden? Nein, nicht die Schweizer: Der
Film geht ziemlich akkurat dem Fall des "Würgers von Nürnberg" nach:
Kuno Hofmann hatte sich Anfang der 1970er bluttrinkenderweis' an weiblichen
Leichen vergangen und später ein Liebespaar ermordet, um auch deren Blut zu
saugen. "Mosquito" ist ein Film darüber, nur ganz leicht von der
Wirklichkeit versetzt.
Rückgriff auf Mosquitos Kindheit. Der Vater prügelt ihn
wegen einer Kleinigkeit, mit dem Gürtel in der engen Stube, halb kaputt liegt
der Junge da, an der Tür dann die kleine Schwester: "Papa, Papa", er
nimmt sie in den Arm, auf dem Sofa schmiegt sie sich an ihn, er schmiegt
zurück, schmust, betatscht sie, und wie er ihr die Unterhose unterm Nachthemd
auszieht, das sieht der Junge mit Angst, Ekel und vielleicht auch Lust… Das ist
eine krasse Szene, und sie muss so krass sein: Sie ist der Schlüssel für
Mosquitos Taten, für sein ganzes Erwachsenendasein. Psychologie, Psychologieeee!
Mosquitos Wohnung ist voll mit Puppen. Schön angeordnet im Regal.
Die Nachbarin beschwert sich, weil seine Wohnung so dunkel ist, sie kann gar
nicht richtig durchs Fenster reingucken. In das "junge" Nachbarsmädel
ist er verliebt. Aus der Werkstatt des Handwerkers leiht er sich einen Hammer;
und ein paar dicke Drähte. Aus denen formt er sich ein paar Dietrichs – wenn
schon Erwin C. nicht dabei ist –, mit denen bricht er nächtens in Leichenhallen
ein. Dazu läuft jazzig-psychedelische Orgelmusik, ja: Der Soundtrack des Films
ist absolut bemerkenswert!
Was sich reißerisch anhört – Leichenschändung! Blutdurst! –,
behandelt der Film als ein Porträt des Alltags: Er folgt schlicht dem Täter und
ist damit anderen Filmen weit voraus; "Henry: Portrait of a Serial
Killer" lief auch mal in der Grindhouse-Reihe… Marjan Vajda – den die
Schweizer aus Kroatien importiert haben – beobachtet ganz ruhig die Untaten und
kontrastiert die (psychische) Erlebniswelt des Mosquitos mit seinem
gleichgültigen bis feindseligen gesellschaftlichen Umfeld: Ja, der Film ist
tatsächlich Drama.
Aber auch Bahnhofskino. Blutrünstige Szenen mit den Leichen,
ein brutaler Mord, zwischendurch fällt eine von Mosquitos Puppen vom Balkon und
liegt zerstört auf dem Beton, grässlich anzusehen und ein Vorausblick auf das
"junge" Mädchen, das irgendwann auf dem Dach tanzt und abstürzt – die
Bestürzung darüber treibt Mosquito noch mehr an. Zwischendurch auch ein paar
Sexszenen, weil Mosquito eine vom Strich aufließt, die dann sauer ist, weil er
nichts mit ihr anfängt, später guckt er im Puff einer langen Lesbenszene zu,
vernünftiges Sexleben hat er halt nicht. Dafür kauft er sich im Medizinerladen
ein Glasröhrchen, das sich auf der einen Seite gabelt, damit sticht er in die
Leichen ein, um noch besser Blutsaugen zu können – mit seinen Puppen hat er's
zuhause geübt.
Mosqito ist einer der unauffälligen Menschen, einer der
stillen Nachbarn, denen man "so etwas" nie zugetraut hätte.
Ruhig geht auch der zweite Film des Abends an:
Felslandschaft, ein Mann in brauner Kutte, zwei Sonnen am Himmel. Ein paar
kleine Gestalten lugen um die Steine. Das könnte ein Jediritter sein auf dem
Weg in die Eremitage, beobachtet von ein paar Ewoks. Ist aber David Carradine,
der Krieger, der in eine Stadt kommt, in der um einen Brunnen gestritten wird:
Wir sind auf irgendeinem Planeten, und dort geht es mittelalterlich zu und
gleichzeitig sci-fi-mäßig, und vor allem nackig. "Der Krieger und die
Hexe" hört sich vom Titel her wie ein Disneyfilm an, sieht aus wie ein
merkwürdiges "Star Wars"-Spinoff und ist in Wirklichkeit ein weiteres
"Yojimbo"-Remake, in dem Regisseur John C. Broderick in eine an Leone
angelegte Filmästhetik wieder den Kurosawa-Schwertkampf eingefügt hat, als
Beitrag zum "Sword and Sorcerer"-Genre, das in den 80ern wieder mal
aufkam: Mittelalter-Fantasy mit Kampf und Nackedeis.
Es geht um einen Brunnen, der liegt auf dem Dorfplatz, links
und rechts die Herren, die das Dorf je zur Hälfte im Griff haben, der eine hat
den Brunnen erobert, der andere hat Geld, es ist ein fragiles Gleichgewicht,
dahinein platzt der Krieger Kain, der die beiden gegeneinander ausspielt… Wenn
der Brunnen mal von der einen Seite erobert wird, kommen die gnomenhaften, in
Säcken gehüllten Bewohner der Stadt aus ihren Höhlen gekrochen und holen
Wasser, und am Brunnenrand tanzen nackte Damen im Tanga. Und der eine der
Herrscher – der harte Zeg – hat eine Frau in seiner Gewalt, Naja heißt sie, die
die ganze Zeit ziemlich nackig rumläuft, im Tanga, der auch mal die Farbe
wechselt. Und irgendwie kennt Kain sie von früher, sie soll irgendeinen Zauber
tun, es ist wurscht, Hauptsache ihre wohlgeformten Brüste sind schön im Bild.
Auf der anderen Seite des Dorfplatzes liegt Bal Caz in seinen Kissen, er ist
fett und sieht aus wie der Kalif, hat aber die bösartige Seele von Isnogud. Und
ein echsenartiges Maskottchen, das ist irgendwas Außerirdisches, so 'ne Art
Schoßleguan, der aber zischend kommunizieren kann und ehrlich gesagt total
lächerlich aussieht, wenn er aufrecht rumläuft. Auf dieser Seite der Macht gibt’s
ne Menge nackter Damen, wohl so was wie ein Harem, aber nicht so prominent in
Szene gesetzt wie unsere Busen-Naja. Eine vierbrüstige Dame macht mal 'nen
Lapdance für Kain und will ihn mit einen Stachel, der aus ihrem Bauch
rauskommt, töten.
Einen weisen Priester gibt's auch, der ist neutral, Clint
Eastw David Carradine kommt bei ihm ab und zu unter, und irgendwann machen sie
eine Klappe im Felsen (!) auf und verstecken sich dahinter und da ist der
Zugang unter den Brunnen (!) und die Wasserversorgung kann gekappt werden, nach
Bedarf. Einen Sklavenhändler gibt es auch, der hat auch viele schöne Frauen
(nackt) dabei. Irgendwann wird dessen Gefolge vergiftet. Irgendwann fällt eine
nackte Frau (ohne Tanga) in ein Aquarium, weil der böse Zeg sie töten will, und
dort ertrinkt sie dann qualvoll, wir sehen das in ganzer Länge, Zeg will damit
Kain beeindrucken. Zeg hat einen bösen Handlanger, der ist Kains Feind. Immer
wieder mal wird gekämpft. Die nackte Naja und Kain heiraten am Ende nicht, weil
Kain weiterziehen muss, nachdem die Bösewichter sich gegenseitig abgeschlachtet
haben oder vom Sklavenhändler abgeschlachtet wurden oder dann am Schluss von
Kain selbst.
Roger Corman steckt hinter dem Film, er hat ihn mit
Argentinien coproduziert, weil er von dort so viele schöne nackte Frauen in den
Film stecken konnte. Ein tolles Erlebnis.
Harald Mühlbeyer
Grindhouse-Nachlese Dezember 2019: Rape&Revenge, Söldnerquatsch und Weltuntergang
6. Dezember 2019: Grindhouse Triple Feature, Cinema Quadrat Mannheim:
"Ms. 45" / "Die Frau mit der 45er Magnum", USA 1981, Regie: Abel Ferrara
"Scorticateli vivi" / "Häutet sie lebend – Unternehmen Wildgänse", Italien 1978, Regie: Mario Siciliano
"Nosutoradamusu no daiyogen" / "Weltkatastrophe 1999? – Die Prophezeiung des Nostradamus", Japan 1974, Regie: Toshio Masuda
Thana arbeitet bei einem Schneider, einem flamboyanten Modeschöpfer, dem das
erratische Verhalten von Thana in Folge der erlittenen Widerwärtigkeiten nicht
entgeht und der vorderhand freundlich sie bittet, sich zu öffnen, sich zu
entspannen, in Wirklichkeit aber nur schwer verhohlen mit Entlassung droht,
wenn sie nicht weiter am Schneidertisch funktioniert – ein perfekt gesetzter
kleiner Seitenhieb auf den Kapitalismus, auf "Hire and Fire", auf
Hierarchie und Abhängigkeit, auf ökonomische Bedrängung, die sich später nicht
von ungefähr zu erotischer Zudringlichkeit ausweiten wird, das ist von
Vornherein klar. Aber zuvor geht Thana einen Wandel durch. Sie ist ein
schüchternes Ding, ein Mauerblümchen, nicht nur stumm, jetzt auch
traumatisiert. Nachts aber legt sie Schminke an und geht auf Jagd. Sie hat ja
die 45er des Einbrechers. Und nachts, wenn sie zur Mrs. Hyde wird, sind die
Männer nicht sicher vor ihr, dann ist sie eine andere, sie ist hart und
kaltblütig und zielstrebig.
Sie wird überfallen, das bekommt den Übeltätern nicht. Sie
wird von einem notgeilen Fotografen angequatscht, folgt ihm ins Atelier, aber
nicht er kommt zum Schuss. Aber auch: Sie folgt einem, der seiner Freundin
nachrennt, und er entkommt, unwissentlich, nur knapp – da sind wir froh. Oder:
Sie sitzt in der Bar, in Nylon und Make-up, und einer labert sie zu, erzählt
seine Leidensgeschichte an den Frauen. Später, und das ist ein großartiges
Bild, sitzen sie auf einer Bank an der Brooklyn Bridge, und nein: Abel Ferraras
New York ist nicht das Manhattan von Woody Allen. Da sitzen sie, und sie zieht
die Pistole, und sie hat Ladehemmung, und er nimmt die Waffe, setzt sie an die
Schläfe, und PAM. 
Thanas Weg ist klar gezeichnet. Den Kopf des Einbrechers,
das letzte Körperteil, stellt sie in ihrer Garderobe ab, damit die neugierige
Nachbarin ihn findet – was für eine Nachbarin! –, während sie auf dem
Betriebs-Maskenfest, als Nonne verkleidet, ihr Finale absolviert. Alles, von
Beginn des Traumas an, war ein von Leichen gepflasterter Weg in den erweiterten
Suizid, nun, kostümiert, lässt sie sich vom Chef betatschen und gibt ihm
Saures, dann gibt’s Amok, dann endet der Film.
Und der nächste beginnt. Ich bin ja generell der Meinung,
dass Filme, die als "zynisch" charakterisiert werden, normalerweise
nicht zynisch sind. Sei's Billy Wilder oder Quentin Tarantino: Allenfalls, was
und wen wir auf der Leinwand sehen, sind Zyniker, die Zynisches tun; der Film selbst
aber ist in der Regel nicht zynisch, er zeigt, aber er affirmiert nicht,
zumindest nicht auf dem Grund seiner Ironieschichten. Ja: Die Unterscheidung
zwischen Figurenrede und Autorenrede fällt vielen nicht leicht, das Verstehen
von Lakonie oder Sarkasmus, oder auch die Unterscheidung zwischen einem Täter
und einem Boten der Tat – da wird leicht fälschlicherweise das Gezeigte zur Eigenschaft des Films.
"Häutet sie lebend – Unternehmen Wildgänse" aber ist durch und durch
zynisch, ein böser, böser Film, der es besser weiß, aber trotzdem das Böse
schafft. Eine geradezu unerträgliche Story von italienischen Söldnern ist
Afrika, die nichts als Verachtung vergießen, die gegen all die Paviane, die
schwarzen Gauner, das Negergesocks mit äußerster Brutalität und Grausamkeit
vorgehen, wie ein ungezogener Bengel Ameisen zertritt, und während draußen vor
den Strohhütten das Massaker zu hören ist mit MGs und Schreien, da muss man
zusehen, wie dem Kommandeur plötzlich der Blick starr wird vor geilem Begehren,
wie er fies zu grinsen beginnt, und die Kamera bleibt bei ihm, wie er sich
bereit macht, um dann, im letzten Moment, zur Seite zu schwenken, zur Frau in
Todesangst, um dann die fällige Vergewaltigung in aller Ausführlichkeit zu
zeigen, während draußen das Sterben ihres Dorfes zu hören ist.
"Häutet sie lebend – Unternehmen Wildgänse" aber ist durch und durch
zynisch, ein böser, böser Film, der es besser weiß, aber trotzdem das Böse
schafft. Eine geradezu unerträgliche Story von italienischen Söldnern ist
Afrika, die nichts als Verachtung vergießen, die gegen all die Paviane, die
schwarzen Gauner, das Negergesocks mit äußerster Brutalität und Grausamkeit
vorgehen, wie ein ungezogener Bengel Ameisen zertritt, und während draußen vor
den Strohhütten das Massaker zu hören ist mit MGs und Schreien, da muss man
zusehen, wie dem Kommandeur plötzlich der Blick starr wird vor geilem Begehren,
wie er fies zu grinsen beginnt, und die Kamera bleibt bei ihm, wie er sich
bereit macht, um dann, im letzten Moment, zur Seite zu schwenken, zur Frau in
Todesangst, um dann die fällige Vergewaltigung in aller Ausführlichkeit zu
zeigen, während draußen das Sterben ihres Dorfes zu hören ist.
Der Bruder des Söldnerchefs hat Trouble in Italien mit der Drogenmafia,
hat wohl Geld unterschlagen und flieht in den Schwarzen Kontinent, und weil der
Kommandeur, dieser Kriegsverbrecher, von den Einheimische gefangengenommen
wurde – und nicht etwa gelyncht, sondern vor Gericht gestellt werden soll! –, zieht
der Bruder mit dem Trupp durch die Lande, weiter kräftig mordend und
vergewaltigend, zur Befreiung.
Aber Schwamm drüber. Es geht ja besser, es gibt ja den
Weltuntergang. "Weltkatastrophe 1999?" ist tatsächlich so etwas wie
eine Literaturverfilmung! Nostradamus' Prophezeiungen werden in Film gegossen,
in japanischen Film, aber nicht nur das: Man bringt auch noch tatsächlich
faktische Lehren über das Ende des Wachstums unter und ein paar krasse
Exploitationszenen – eine höchst eigenwillige und durchweg unterhaltsame
Nummer! Auch – oder gerade? – wenn der Film von ursprünglich fast zwei Stunden
Lauflänge auf 80 Minuten runtergeschnippelt und mit wer was wie genauer Synchro
bedeckt wurde. Wurscht!
Am Anfang ein Labor, und der Oberwissenschaftler mahnt vor den
neuen Pflanzenschutzmitteln, und seine Kollegen tun das als Gewäsch ab, und wer
da nicht an Monsanto denkt! Später werden wir sehen, was draus werden kann,
Riesenschnecken, derer die Feuerwehr nur mit Hilfe von Flammenwerfern Herr
werden kann, zum Leidwesen unseres Wissenschaftlers, der die Schnecks ja
sezieren will und der so gerne Nostradamus zitiert. Aber der Agrarstrang ist
nur Nebensache, tatsächlich geht es um alles, um Sonne und Atome und um die
ignorante, alles verharmlosende Regierung und um eine Liebesstory am Rande des
Weltenabgrunds, man kann's gar nicht alles benennen.
Manches scheint durchaus wissenschaftlich unterfüttert,
schön mit animierten Schaubildern, Stand Anfang der 1970er wohlgemerkt. Da wird
dann der Treibhauseffekt beschrieben, mit (wenn ich mich recht erinnere) kleinem
Denkfehler, dass nämlich die Atmosphäre die Sonnenstrahlung abhält und es daher
immer kälter wird… Und dann gibt es da die Concorde-Maschine hoch oben fliegend,
an deren Rumpf sich im Flug Eiskristalle bilden, die dann zerbirst und damit
die Ozonschicht zerstört, weshalb unten alles ganz heiß wird und wer auf die
Straße tritt unweigerlich verbrennt! Ja, ein ganzer Hafen fliegt deswegen in
die Luft.
Und dann gibt's da den schönen Blödsinn einer Exkursion auf
eine Dschungelinsel, die Forscher sind im Sumpf unterwegs und werden von
riesigen, atomar mutierten Vampirfledermäusen angegriffen, hu, was für Biester
mit was für Hauern im Maul! Und im Sumpf lauern Blutegel, ebenfalls atomar so
verseucht, dass einem, der befallen wurde, das Gehirn wegschmilzt im nächtlichen
Zelt. Und nicht nur das: Außen greifen Kannibalen an, und das gibt's eigentlich
erst ein paar Jahre später im italienischen Film! In einer Höhle die Überreste
der vorherigen Expedition, skelettierte Menschen, die aber noch einigermaßen
leben, es ist furchtbar, was das Atom anrichtet!
Schließlich, einer der schönsten Momente: Durch die Erhitzung wird die obere
Atmosphäre zum Luftparabolspiegel, und die Stadt spiegelt sich im Himmel auf so
verzerrt-verbogene Weise, dass wir uns in "Inception" wähnen. Am Ende
natürlich behält Nostradamus recht, auch weil vieles explodiert und, "99
Luftballons" vorwegnehmend, ein General 'ne Fliegerstaffel
hinterherschickt, ach nee: Es öffnen sich die Schächte, die Raketen heben ab
und bomben den Planeten in Grund und Boden, bis dann in der übriggebliebenen
Felsenwüstenei zwei nicht mehr menschliche Wesen sich erheben, halb Gollum und
halb Burli, und die Dystopie ist aus, mit der Mahnung, dass es so geschehen
wird wie vor 500 Jahren schon geschrieben stund!
Harald Mühlbeyer
Grindhouse-Nachlese Oktober 2019 – Heiliger Horror und irrer Horror
28. Oktober 2019, Cinema Quadrat Mannheim:
"Alice, Sweet Alice" / "Communion" / "Holy Terror" / Communion – Messe des Grauens", USA 1976, Regie: Alfred Sole
"Misterios de ultratumba" / "Der Tote kehrt zurück", Mexiko 1959, Regie: Fernando Méndez
Paterson: Dort leben dichtende Busfahrer gleichen Namens,
Frauen mit kreativer Schwarz-Weiß-Obsession, der Wirt sammelt lokalhistorische
Zeitungsausschnitte, und überhaupt haben, wie man weiß, dort alle Bewohner ihre
liebevollen kleinen Macken, die sie pflegen und die sie als Personen ausmachen,
die man also wertschätzen muss. Zumindest im Jahr 2016. Im Jahr 1961 – das
Jahr, in dem "Alice, Sweet Alice" spielt, ein Film aus dem Jahr 1976
– habe auch alle ihre Macken, nur dass die in Mord, Terror und Horror
durchschlagen.
"Alice, Sweet Alice" spielt in Paterson, New
Jersey, und der Wahnsinn, wenn man die Stadt wiedererkennt aus Jim Jarmuschs
Film, der den Namen der Stadt (und seines Protagonisten) im Titel trägt! Viel
hat sich nicht verändert in den 30 Jahren zwischen den Filmdrehs, und auch der
Charakter der Stadt ist in beiden Filmen persönlich, dörflich geprägt, jeder
kennt jeden und guckt nach allen. Einmal als poetische Filmmeditation. Das andere
Mal als beunruhigender Horrorthriller.
Alice ist die Tochter einer alleinerziehenden Mutter. Die
kleine Schwester wird von Brooke Shields in ihrem Filmdebüt gespielt. Die
Familie ist eng mit der katholischen Kirche verbunden, der Priester ist jung
und menschlich zugewandt. Die Tante der Kinder ist fies und bösartig, aber
nicht aus Absicht, sondern wohl eher aus Charakterschwäche. Der alte Monsignore
ist gelähmt und anfangsdement. Der geschiedene Vater der Kinder würde gern
seine Ex verführen und gleichzeitig mit seiner zweiten Frau ein unbeschwertes
Leben führen. Der Nachbar im Erdgeschoss – und Vermieter für die Mutter und
ihre Töchter – ist unglaublich fett, besitzt eine Menge Katzen, ist stets
überall bekleckert und zumindest proto-pädophil.
Alice aber ist vollkommen verdreht. Sie ist fies zur
Schwester, klaut ihr die Puppe und erschrickt sie gerne auf den Tod, sehnt sich
nach dem Vater auf kindlich-naive Art und ist zugleich bedrohlich wie eine
ungeahnte Gefahr. Im Keller hat sie eine Kiste, das ist ihr Schrein, Puppe
darin und schrecklich anzuschauende Masken. Eine große Rolle im Film spielen
die knallgelben Regenmäntel, die wurden von der Kirche an die Kommunionskinder
ausgegeben, und der Mörder/die Mörderin trägt so einen. Jawohl: Mord. Während der
Erstkommunionsfeier, in der Sakristei. Und Alice hat kein Alibi. Die Tante hat
einen Verdacht. Die Mutter ist völlig überfordert. Der Priester versucht, den
Überblick zu behalten. Die Mutter übrigens ist ihm sehr zugetan, nicht nur
geistlich. Überhaupt hat jeder so seine Absichten und Motive im mentalen
Hinterzimmer, geradeheraus ist keiner. Man redet und handelt mit
Hintergedanken, das ist nur angedeutet im Film, aber das macht seinen Reichtum
aus: Dass die Charaktere dermaßen ausgestaltet sind…!
Brooke Shields jedenfalls ist tot. Und der Tante wird vom Treppenabsatz aus ins Bein gestochen, mit einem langen, bösen Messer, wie es Alice immer wieder in den Händen hat. Und dem Zuschauer ist jeder Boden unter den Füßen entzogen: Es könnte sein, dass der Film ein Whodunnit ist, der dem Zuschauer eine mutmaßliche kindliche Mörderin präsentiert, es ist aber dann eben alles doch ganz anders. Es könnte aber genauso gut sein, dass dem Zuschauer eine tatsächliche kindliche Mörderin präsentiert wird und dass alles so ist, wie es scheint, dass hier das Böse aus dem scheinbar so nächstenliebenden katholischen Milieu entspringt und in dieser Beinahejugendlichen explodiert. Die gelben Regenmäntel verweisen auf Nicolas Roegs "Don't Look Now", die Traumata der Vergangenheit, die losbrechen im Schrecklichen, und einmal – bezeichnenderweise hinter einem Sarg – sehen wir ein Plakat, das den Kinostart von "Psycho" ankündigt.
Ein wirklich meisterhaft inszenierter Film, der in
Deutschland sträflichst unbekannt ist. Und der den Auftakt für einen
wunderbaren jahreszeitgemäßen Horrorabend gab, dessen zweiter Teil auf eine
ganz andere Art faszinierend war: "Der Tote kehrt zurück" ist ein
mexikanischer Gruselfilm von 1959, schwarz-weiß, gediegen klassisch, der im
Irrenhaus spielt, wo die Irren genauso irre sind wie die Mad Scientists. Schön
übernatürlich geht es zu, zu Anfang, und dann wird's zu 'nem fast schon
putzigen Atmosphärenthriller.
Zwei der irren Ärzte nämlich schließen einen Pakt: Zur
Erforschung dessen, was nach dem Tode kommen wird, soll derjenige, der zuerst
stirbt, dem anderen aus dem Jenseits Hinweise geben, ja, womöglich
zurückzukehren versuchen. Dies nun geschieht, aus einer Seance kommen die
Hinweise: Drei Monate später wird sich eine Türe öffnen, die wird Einblick ins
Jenseits bieten. Dafür werden merkwürdige Dinge geschehen… Beispielsweise kommt
eine Nachtklubtänzerin ins Irrenhaus, nicht als Patientin wohlgemerkt; und ein
junger Mann, der sie aus seinen Träumen kennt, folgt ihr; und der Arzt, der
noch lebt, verliebt sich in die Frau etc., und eine wilde Irre bricht aus und
geistert höchst verwirrt und höchst aggressiv durch die Hallen, und ein
Schlüssel taucht auf, und ein Kästchen enthält einen Dolch, der zuvor in einem
anderen Zimmer gelegen war, und der Tote wandert immer wieder als Schimäre
durchs Bild, insbesondere durch den tollen Innenof der Anstalt, eine
dschungelartige Ansammlung von Pflanzen, die wohl kaum eine beruhigende Wirkung
auf die Nerven der Patienten haben dürfte, bei all den Schatten, die sie an die
Wände werfen!
Während zu dieser Zeit in Deutschland Edgar-Wallace-Krimis mit Horrorelementen bestückt wurden, in England die knalligen Hammerfilme ihren Klassikerstatus erlangten, kommt aus Mexiko dieser wunderbare E.A.Poe-mäßige Horrorfilm, man könnte auch Vincent Price um die Ecke lugen sehen: Dunkelheit und Schatten und Überweltliches und Wissenschaft und das Schicksal, das Schicksal! Denn dem entrinnt keiner, und wer die Schwelle überschreitet, kommt um in all seinen Obsessionen, in seiner zielstrebigen Halsstarrigkeit, im Versuch, umzukehren, was immer schon bestand – in tollen Volten spielt der Film sein Finale aus, nicht als Explosion eines großen Konflikts, sondern als
unausweichliches Verpuffen eines großen
Traumes, der nie hätte geträumt werden dürfen. Weil der diesseitige Arzt die
jenseitigen Tipps nicht richtig hat lesen können (wollen), weil dann über zig
Banden und nach allerlei Andeutungen, falschen Fährten und kleinen Schocks und
Wendungen jeden das Los trifft, das für ihn bestimmt ist: Tote gibt es, und ein
von schrecklicher Säure entstelltes Gesicht, und Verwechslungen, und ein
Todesurteil – und dann wird die Schraube nochmal weitergedreht, und tatsächlich
wandelt ein Toter auf Erden, nicht nur ein Geist, sondern körperlich habhaft.
Doch was für ein Körper, und welch ein Geist…
Während zu dieser Zeit in Deutschland Edgar-Wallace-Krimis mit Horrorelementen bestückt wurden, in England die knalligen Hammerfilme ihren Klassikerstatus erlangten, kommt aus Mexiko dieser wunderbare E.A.Poe-mäßige Horrorfilm, man könnte auch Vincent Price um die Ecke lugen sehen: Dunkelheit und Schatten und Überweltliches und Wissenschaft und das Schicksal, das Schicksal! Denn dem entrinnt keiner, und wer die Schwelle überschreitet, kommt um in all seinen Obsessionen, in seiner zielstrebigen Halsstarrigkeit, im Versuch, umzukehren, was immer schon bestand – in tollen Volten spielt der Film sein Finale aus, nicht als Explosion eines großen Konflikts, sondern als
unausweichliches Verpuffen eines großen
Traumes, der nie hätte geträumt werden dürfen. Weil der diesseitige Arzt die
jenseitigen Tipps nicht richtig hat lesen können (wollen), weil dann über zig
Banden und nach allerlei Andeutungen, falschen Fährten und kleinen Schocks und
Wendungen jeden das Los trifft, das für ihn bestimmt ist: Tote gibt es, und ein
von schrecklicher Säure entstelltes Gesicht, und Verwechslungen, und ein
Todesurteil – und dann wird die Schraube nochmal weitergedreht, und tatsächlich
wandelt ein Toter auf Erden, nicht nur ein Geist, sondern körperlich habhaft.
Doch was für ein Körper, und welch ein Geist…
Ach, ich will nicht zuviel
verraten. Wem der Film unterkommt – vielleicht läuft er ja auch mal in einer
der regelmäßigen arte-Trashreihen –, der soll sich’s angucken, möglichst bei
Kerzenschein.
Harald Mühlbeyer
Grindhouse-Nachlese September 2019: New York und Philippinen
Grindhouse Double Feature, 28. September 2019, Cinema Quadrat Mannheim:
"Willie Dynamite", USA 1974, Regie: Gilbert Moses
"The Twilight People", USA/Philippinen 1972, Regie: Eddie Romero
Purpurmantel wie ein überkandidelter König, goldenes Gewand,
auch mal ein weißer Strampelanzug: Modisch lässt es Willie Dynamite krachen. Der Titelheld ist ein Pimp, wie er im
Buche steht, und das muss er zeigen. In keinem der bisherigen Blaxploitations
in der Grindhouse-Reihe im Cinema Quadrat war die Kleidung so sehr als
Statussymbol inszeniert. Willie muss
sowas tragen, und ein Blick in seinen begehbaren Kleiderschrank zeigt, dass er
durchaus noch mehr Auswahl hätte. Seine Gewänder sind so was wie seine Uniform,
seine Arbeitskleidung, ohne die er nicht aus seinem Haus kann. Ebenso sein
grün-goldener Straßenschlitten. Man muss zeigen, was man ist, was man hat,
sonst ist man nichts und hat bald nichts mehr.
Willie Dynamite hat, wie uns der Titelsong verrät, "seven
women in the palm of his hand", die für ihn anschaffen. Er hat sie aus der
Gosse geholt und damit an sich gebunden, jetzt bietet er ihnen als Arbeitsplatz
ein Luxushotel, als Klienten Geschäftsleute, die sich abends, weit weg von
zuhause, ein bisschen entspannen wollen. Ein Aufstieg, das flüstert er seinen
Miezen immer wieder ein, sie sind Teil eines Produktionsprozesses, wie am
Fließband, müssen Umsatz schaffen, und dafür haben sie diverse Annehmlichkeiten
wie Sicherheit, Willies Zuneigung und einen Einigermaßen-Anteil am
Erwirtschafteten. "Wir sind schließlich Kapitalisten!", ruft Willie
beim Spitzentreffen der Zuhälter-Funktionäre von New York, als ein Konkurrent
den Vorschlag macht, sich zusammenzutun, die Stadt aufzuteilen, füreinander
einzustehen. Eine Art Kartell; oder, andersherum: die Einführung des
Sozialismus in die Prostitution.
Willie will die Nummer 1 sein, und er ist auf dem besten Weg
dahin. Aber wie das so ist, kommt ein dickes ABER. Und zwar in Form einer
engagierten Sozialarbeiterin. Bzw.: einer aggressiven. Wir lernen sie kennen im
Bett mit dem stellvertretenden Staatsanwalt, sie ist neckisch und fordernd und
frei, lehnt einen Heiratsantrag ab und schüttet Cola über den Geliebten, der
nicht aus den Federn will. Und sie geht hart Willie Dynamites Geschäfte an, und
deshalb geht sie Willie Dynamite selbst hart an. Sie war früher selbst
Bordsteinschwalbe, das betont sie gerne, das gibt ihr Street Credibility, und
mit dem scharfen Auge der gelernten Hure macht sie das schwächste Glied unter
Willies angeketteten Weibern aus. Deshalb wird gezielt die junge Passion
verhaftet, gezielt dringt Sozialarbeiterin Cora in das Domizil der Damen ein
und versendet vergiftete Pfeile, die den Nutten ihren sozialen Status und ihre
Abhängigkeit klarmachen. Sie bricht bei Willie ein und kopiert seine diversen
Sparbücher, und vor Gericht drängt sie sich Passion auf, als Hilfe, als
Alternative.
Und für Willie geht alles den Bach runter. Sein stolzes Auto
wird abgeschleppt, das ist ein Running Gag im Film. Er wird verhaftet, unter
hanebüchenem Vorwand ("Du siehst einem Verdächtigen ähnlich: Mann in
braunem Mantel", heißt's – als Willie gerade seinen weinroten Umhang
spazieren führt); Polizeibrutalität, Willkür, Durchsuchung ohne richterlichen
Beschluss: reine Schikane. Und fies noch dazu. Mit tollen Dialog-Streitigkeiten
zwischen Pimp und Cops, und mit einem Zuschauer im Zwiespalt: Willie Dynamite
ist ein schlimmer Finger, ein Großprotz, arschlochiger Turbokapitalist, ein
Ausbeuter weiblicher Körper, der alle Tricks der Psycho-Manipulation
beherrscht, um seine Ladies bei der Stange zu halten; und wird zugleich von
Polizei und Sozialamt böse und gemein behandelt, wie man es sich nicht
vorstellen kann. Der wird vom Staat fertiggemacht! Mitleid? Aber ja!
Gut: Die schauspielerischen Leistungen im Film sind jetzt
oft nicht soooo; Willy hat sieben Nutten, davon zwei als Sprechrollen, die
anderen als darstellerische Null-Staffage. Der Filmschnitt ist auch, sagen wir:
originell. Bzw. vielleicht auch ungelenk. Jedenfalls: Die Ausstattung ist
fantastisch: Der über-flamboyante Willie steckt in einer dreckigen Welt, die
New York in den 70ern nun mal war, zwischen all den normalen Leuten, eine gelungene
Dissonanz sind seine Kleider im Big Apple-Alltag. Und wie er von zwei Cops –
die sich auch gegenseitig nix schenken, der eine ist schwarz und Moslem und
wird vom anderen deshalb dumm angemacht –, wie Willie von den beiden angegangen
wird, teils aus Langeweile, teils aus Bösartigkeit, teils aus persönlichem
Hass; und wie Cora, die Sozialtante, das Gute für die Nutten will und dafür die
fiesesten Mittel anwendet, wie ihr dann aber, als sie ihr Ziel fast erreicht
hat, alles aus den Fingern gleitet und für ihren Schützling das Leben praktisch
vorbei ist; wie ganz nebenbei die Story von Willie sich in der Story seines
überdimensionierten Straßenkreuzers spiegelt, der nach vielerlei Abschleppen
irgendwann ausgeweidet wird von den vernachlässigten Straßenkids, und auch in
der Passion der Passion, die als unschuldige Hure alle Last tragen muss: Das
ist unter einer Oberfläche, die Blaxploitation verheißt, richtig großes Kino.
Der Film beginnt mit idyllischen Bildern zu idyllischer
Musik, die aber alsbald total unheimlich wird, obwohl nichts Bedrohliches zu
sehen ist. NOCH! Denn ein softer Typ mit weichen Wangen taucht in exotischen
Gewässern und guckt sich Fische an, als PLÖTZLICH böse Hände ihn greifen, unter
Wasser fesseln, und mit einem Kran wird er kopfunter an Bord einer Yacht
gehievt, und aber seine eigene Yacht ist gar nicht mehr da. Vielmehr eine sehr
hübsche Krankenschwester und Mr. Blondiepsychopath. Sie fahren zur exotischen
Insel, durch den Dschungel hin zur Villa von Dr. Gordon, bewacht von allerhand
philippinischen Handlangern. Der softe Typ ist ein Superforscher mit
Supergehirn, und weil er so ein guter Mann ist, will Gordon ihn für seine
Experimente. Und was für welche! Es geht um die Zukunft der Menschheit!
Eigentlich ist alles an dem Film reichlich egal; interessant
nur, wie die Liebe zwischen Farrell – das ist der Held – und Neva – die
Krankenschwester a.k.a. Gordons Tochter – fix behauptet wird, indem sie ihn mal
fragt, wie es ihm geht, und danach sind sie verliebt. Fluchtplanung etc., dazu
Steinman, der Psycho, der so gerne jagt, und Gordon, der für die Wissenschaft
verrückt geworden ist: Um das Überleben der Menschen zu sichern, züchtet er
eine Über-Rasse, die das Beste aus Mensch und Tier ineinander vereint! Hat
bisher nicht so recht geklappt, deshalb soll Gordons Gehirn, also der Inhalt,
die Software, irgendwie kopiert werden, dann gibt es da noch irgendwelche
Organfetzen unter Käseglocken und so was wie eine Laserkanone im Labor nebenan.
Eine Gehirn-OP an einem Nebendarsteller hamwer auch. Und vor allem, und darauf
kommt es an: Wir haben TIERMENSCHEN!!!
Im Keller, im Käfig. Ein Antilopenmann, mit Hörnern auf die
Stirn gepappt. Eine Wolfsfrau mit Bart. Einen Affenmann, einen Fledermausmann
mit Flügeln; und Pantherfrau, gespielt von Pam Grier, die wahrscheinlich grad
sowieso auf den Philippinen war. Sie darf katzig gucken und sich putzen und ab
und zu ihre Fänge in Menschenleiber schlagen, so'n richtiger Panther halt.
Das ist schon super. Kinderkarneval mit bisschen Blut und
Toten, mit einem Bat-Man, der auf dem Baum seine Flügel ausbreitet, als alle
mitnand durch den Dschungel fliehen, und man bedauert die Leute: Wie muss man
sich fühlen, als Schauspieler, wenn man ein tolles Angebot bekommt für einen
Science-Fiction-Horror-Abenteuerfilm, und dann stellt sich raus: Dir werden
Haare, Hörner oder Flügel angepappt, und du weißt, das sieht scheiße aus, und
du weißt, dass damit ein persönlicher Tiefpunkt erreicht ist, aber du weißt
auch, du musst das durchziehen, Vertrag ist Vertrag, und Mensch!, was wird die
Nachwelt sagen! Naja, Frau Grier ist ja ganz gut aus der Sache rausgekommen,
aber eine Karriere-Rakete war das wohl trotzdem eher nicht…
Fledermausmann hat am Ende noch seinen großen Auftritt, HUI!
geht es durch die Lüfte, und durch einen geschickten Schnitt überlebt der Held
auch, als er vor der Luger des Psychopathen steht. Wie er das angestellt hat,
wissen wir nicht, wahrscheinlich ist es auch egal: Er darf nicht sterben,
punktum, wie er entkommt, ist wurscht, Hauptsache ein Happy End mit ihm und
seiner schönen Gespielin und dem Fledermausmann, idyllisch vor der Abendsonne.
Harald Mühlbeyer
Grindhouse-Nachlese Mai 2019: "Maniac Cop" und "Patrick"
Grindhouse Double Feature, 18. Mai 2019, Cinema Quadrat Mannheim:
"Maniac Cop", USA 1988, Regie: William Lustig
"Patrick", AUS 1978, Regie: Richard Franklin
 |
| Maniac Cop |
Selbstzweck: Wer definiert das? Der Zuschauer. Aber wohl
kaum der Zuschauer, der dem Selbstzweck, also der Befriedigung seiner
libidinösen oder brutalen Triebe, erliegt. Der "mündige", der
"aufgeklärte" Beobachter. Ist das gleichzusetzen mit dem
Sittenwächter? Zensurgeschichtlich auf jeden Fall. Was da oftmals mit
hanebüchenen Begründungen angemahnt oder gar verboten wurde… (Ich bin
glücklicher Besitzer der "6000 Filme", die die katholische
Filmkommission in den 50ern bewertet und oft genug verworfen hat…! Von der FSK
in den 80ern gar nicht zu reden.) Aber zum Glück gibt es auch zugewandte
Beobachter: Die innerlich mitgehen und geistig sich distanzieren, die
begutachten, analysieren, bewerten. Die sich mit den Filmen beschäftigen. (Ich selbst bin da nur ein
kleinstes Licht…) Man kann sich erfreuen, seinen Trieben freien Lauf lassen,
ist schließlich alles schön fiktiv und auf die Leinwand gefesselt; und kann
dabei drauf schauen, was das Gesehene filmisch ausmacht: Filmgeschichtlich, genrespezifisch,
zeitgeistlich.
Wenn nun der Selbstzweck, wie vage auch immer, auf das
Zeitgeistliche verweist – beispielsweise Blaxploitation auf die
Bürgerrechtsbewegung, Sexploitation auf die Liberation der Libido,
Nazisploitation auf den Muff von tausend Jahren unter den Talaren –, dann ist
er plötzlich kein Selbstzweck mehr, sondern so eine Art soziologischer Seismograph.
Ex negativo, von mir aus.
 |
| Knochenbrecher |
Der Punkt ist: Es ist nicht so einfach mit dem Reißerischen,
dem Selbstzweck, dem Grindhouse. Wobei andererseits: Die Filme, die im April im
Cinema Quadrat-Grindhouse-Double-Feature liefen, die waren denn doch
eindimensional. Unterhaltsam, das sicher: Aber in "Monkey Kung Fu" (aka "Hurra, die Knochenbrecher
sind da", Hongkong 1979, Regie: Mar Lo) ist Handlung auf alle Fälle wurscht.
Es geht halt vor allem um höchst
akrobatische Martial Arts, die direkt aus dem Zirkus stammen könnten –
Affentechnik meets Geier- und Betrunkenenstil, wenn zwei aus dem Gefängnis
Ausgebrochene es mit dem Gibbon-Clan aufnehmen: Das hat was von der guten alten
"Robert und Bertram"-Story, wobei Obacht: Die Millowitsch-Torriani-Filmversion
unbedingt meiden, und die von 1939 ist der Versuch einer antisemitischen
Propaganda-Komödie; bemerkenswert unlustig noch dazu…
 |
| Grausame Leichen |
Und mit "El jorobado de la morgue" (aka "Die
Stunde der grausamen Leichen", Spanien 1973, Regie: Javier Aguirre) hat
Paul Naschy – Drehbuch und buckliger Hauptdarsteller – einen billigen
Frankenstein-Abklatsch gedreht inklusive brennender Ratten und einem per
Menschenfraß gentechnisch kreierten Urzeitmonster, das aussieht wie ein in
Gummi gewickelter Komparse. Interessant: Spielt im bayrischen Flecken
Feldkirch, wohl, weil Frankenstein persönlich ja aus Ingolstadt kam… Ansonsten
aber halt doch eher Wegwerfware, bzw. Guck- und Genieß- und Abhak-Ware. Im
Vormonat waren Grusel und Kung Fu tatsächlich Selbstzweck. So wie Zirkus oder
Geisterbahn auch nichts anderes bedeuten wollen als sich selbst.
Ganz anders dann im Mai. Da haben wir zwei Filme mit
Untoten, die eigentlich doch keine sind. Untote sind ja die Fantasiegestalten,
in die der Filmemacher ungefähr alles reinprojizieren kann. Hier aber: Nur
scheinbar tot! Das macht das Ganze schon mal interessant. Und dann haben wir
eben in "Maniac Cop" von
William Lustig eine junge, schöne Frau in einem durch und durch
verkriminalisierten New York, und sie kann sich gegen zwei puertoricanische
Handtaschenräuber mit aller Kraft wehren und rennt dann auf einen Uniformierten
zu: "Officer, Officer!", das sind ihre letzten Worte. Mit ungeheurer
Kraft nimmt der ungeheuer große Polizist sie am Hals, hebt sie hoch, sie ist
tot. Das ist der Anfang einer heftigen Mordserie, die die Stadt erschüttert.
Und weil ein Cop – der weiße Schnurrbart zeigt seine Erfahrenheit an – ahnt, dass
ein echter Polizist der Täter ist, leakt er das an die Presse. Und eine Ebene
der Medienreferenzen tut sich auf, denn nun kommen die Toten in den
Nachrichten, und alle Welt fürchtet sich vor allem, was uniformiert ist. Eine
Hysterie, die in Einklang steht mit der filmisch etablierten Atmosphäre eines
New York im Ausnahmezustand, zwischen Verbrechen und Polizeigewalt: Der Film
stammt aus den 80ern, als alles versucht wurde, den Big Apple von bösen Würmern
zu säubern, mit einer heftigen Null-Toleranz-Politik, in der kleinste Vergehen
heftigst bestraft wurden. Was sich freilich rückwirkt auf die Befindlichkeiten,
dieser Film zeigt es, und er legt den Finger in die Wunde: Die Verunsicherung
in den Reihen der Polizei ist nicht geringer als die Verunsicherung der
Bevölkerung, weil nie klar sein kann, aus welcher Ecke das Kriminelle kommt.
Am Ende dann ein erstaunlich großartiger Stunt, ein Gefängniswagen der Polizei
fällt mitsamt durchstoßenem Killer und dem Helden auf dem Trittbrett in den
Hudson River, und nein: Das ist keine Puppe, die im Stürzen vom Auto abspringt,
das ist ein tatsächlicher Mensch! Doch gerettet ist erstmal niemand, die
Unsicherheit geht weiter im Hinweis auf das Sequel, das Lustig denn auch
pflichtschuldig zwei Jahre später drehte.
Was nun erhebt "Maniac Cop" über die "Knochenbrecher"
oder die "grausamen Leichen" des Aprils? Nun: Lustig legt seinen
Film, so wahnsinnig er sein mag (der Bösewicht, ein Ex-Polizist, der in Sing
Sing beinahe hops ging und nun, nach seinem Nahtod, übermenschlich wirkt!), er
legt seine Fantasie über die urbane Gewalt getrost in die Welt, wie sie
wirklich ist. Die Realität schimmert durch, hinter der Polizeifilm meets
Horror-Fiktion. Eine Philosophie wird sichtbar, krude vielleicht, oder vage,
aber fatalistisch genug, um wahrhaftig zu wirken und die Menschen anzusprechen.
Wobei Lustigs "Maniac Cop"-Überbau noch gar nichts
ist gegen den Australier Richard Franklin, dem es in "Patrick" 1978
gelingt, die "Tommy"-Story der Who ins Grauen zu überführen und dabei
"The Shining" vorwegzunehmen.
Ein tauber, stummer/dummer, blinder Junge liegt im Krankenhausbett,
völlig karthatisch, ohne sichtbare Regungen, scheinbar ohne Sinneswahrnehmung. In
einem ruhigen Land der Vibrationen hat er Gedanken, so kühn, wie Gedanken nur
sein können: Die Krankheit wird sicherlich seinen Verstand erreichen, und er
spielt zwar nicht Flipper, aber dafür mit allen Gegenständen, die seine
Gedankenmacht erreichen kann. "Patrick",
so der Filmtitel, ist ein Telekinesefilm, das ist ja schon mal selten. Ein
Film, der reingeht in die Gedankenkraft seiner Titelfigur, die die allermeister
Zeit reglos, mit weit geöffneten Augen, im Krankenhausbett liegt. Und die
dennoch ihre Umgebung manipuliert. Wie, glaubst du, macht sie das? Ich weiß es
nicht!
Ihn sehen, ihn fühlen, ihn berühren, ihn gar heilen: Das
funktioniert nicht. Die neue Krankenschwester Jacquard tut ihr Bestes, ist
einfühlsam, streichelt Patrick die Wange. Mit dem Ergebnis, dass er spuckt.
Seine Art der Ejakulation, wie man annehmen muss. Seine einzige Art, sich
auszudrücken. Das aber, aus Zuneigung (oder Begierde? Oder Obsession?), sehr
deutlich: Denn Schwester Jacquard gelingt es tatsächlich, mit dem komatösen
Patienten zu interagieren. Einmal spucken: Ja. Zweimal spucken: Nein. Und dann
tippt die Schwester auch noch in Trance seine Gedanken auf die Schreibmaschine…
Was hier, in der schnellen Zusammenfassung, krude und
durcheinander wirken mag, entwickelt der Film mit langsamer, zwingender
Stringenz. Und genau das macht ihn aus: Wie er einerseits den privaten Trouble
der Krankenschwester zeigt, die sich von ihrem Mann getrennt hat und sich einem
Playboy-Arzt zuwendet – und die andererseits ihre Pflicht tut bei den täglichen
Schichten mit dem Patienten Patrick, der reglos und anscheinend hirntot
dahinvegetiert, seit drei Jahren. Zuvor, am Anfang des Films, das Schockerlebnis
für ihn: Die Mutter, die mit einem Mann rummacht, ohne an Patrick im
Nebenzimmer den kleinsten, lusttötenden Gedanken zu verschwenden. Der daraufhin
den beiden in der Badewanne den Garaus macht. Und sich in sich selbst
verschließt. Vermutlich, der Film legt es nahe, in ultimativem Narzissmus.
Vielleicht aber auch das Opfer langjähriger Vernachlässigung? Oder das Böse an
sich?
 |
| Keine Heidi weit und breit. |
Und wenn diese Oberschwester in ihrer roten Tracht vor grün
gemustertem Teppichboden von oben gefilmt wird, wie sie versucht, in Tommys,
Verzeihung: Patricks Krankenzimmer einzudringen, dann hat das was von den
labyrinthischen Fluren des Overlook Hotels. So, wie Patricks starre Augen die
von Alexander DeLarge sind, während der hirnzerfressenden Ludovico-Therapie.
"Patrick" hat nichts Grelles. "Patrick"
ist wie Patrick: Scheinbar bewegungslos, aber mit größter Wirkung. Das hat der
Film dem "Maniac Cop" voraus, der auch mal auf seine heftigen Szenen
setzt, auf das krasse Zeigen von Gewalt und auf die Action. Was ja klar ist,
weil es sich um einen Killer-Thriller handelt.
Was kann dies alles nun aussagen? Kommen wir weiter in unseren Überlegungen? Klar ist, dass die Filme des Mai-Grindhouse-Abends, ihre je eigenen Philosophien haben. Sind die auszuformulieren, in Worten? Oder nur in Film auszudrücken, in einer Form, die interpretativ unklar bleibt und doch Ahnungen hervorruft? Vielleicht ist das ja das Geheimnis, das die Grenze zwischen Trash aka Selbstzweck und B-Movie aka verkanntes Kunstwerk ausmacht: Dass das Reißerische auf der anderen Seite nur die Hirnareale aufreißt, die sonst für Körpersäfte zuständig sind, für Blut- und Spermafluss, und die im Sinne des Kultur- und Zivilisationsprozesses besser unterdrückt bleiben. Und bei Filmen der "höheren Kategorie" wird das Hirn rechts- und linkshälftig aufgerissen, zueinander gedrückt, ineinander verschoben, so dass sich Assoziationen ergeben, die das Psycho- und Philosophische erreichen, zumindest ansatzweise, zumindest… Die etwas aussagen über den Menschen, über das Böse und über das Gute, das über Banalitäten hinausgeht: Eben nicht hanebüchen zwei Holzstücke zusammenfügen, um weitere Bösewichter vermöbeln zu können, wie im Hongkongaprilfilm, oder einen Mad Scientist den buckligen Diener schöne Frauen killen lassen wie im Paul Naschy-Vehikel. Sondern, ob gewollt oder nicht, etwas aussagen über die conditio humana: Im New York der Dauerkriminalität oder im Spinnennetz der menschlichen Beziehungen, auch, wenn die rein über Gedankenkraft gelenkt werden.
 |
| A bsoffene G'schicht: Unbemerkt aufgenommenes Selfie des Autors beim Verfassen dieses Textes. |
Und dabei nicht allzu laut werden. Das "Zuviel" vermeiden. Das "Zuviel" ist ja ohnehin ein Schlüssel in mehrerlei Hinsicht: Zu große Ambitionen des stümperhaften Regisseurs, zu nackig, zu blutig, zu eklig, zu wenig von allem – das kann alles eine Rolle spielen, jenseits von allem Inhaltlichen. Wichtig bei der hingebungsvollen Beurteilung ist eben auch: Die handwerkliche Fertigkeit der Filmemacher. Ein Knallophag wie das März-Filmdebakel "Dolemite" ist zwar höchst vergnüglich – sagt aber, trotz seiner Bemühungen, herzlich wenig über die Black Community aus. Aber andererseits ist ein High End-Produkt, das super aussieht, vom Reißerischen nicht weit weg. Ich sach mal: Star Wars.
Harald Mühlbeyer
