Jubiläum: Zum 10. Mal findet dieses Jahr vom 18.6. bis 6.7. das Festival des deutschen Films in Ludwigshafen, pardon: der Metropolregion Rhein-Neckar statt. Und macht selbstbewusst dem Filmfest München (27.6. bis 5.7.) Konkurrenz. Und was sind schon Gäste wie Walter Hill, Wim Wenders, Jean-Pierre Jeunet oder Klaus Lemke, dem in der bayerischen Hauptstadt eine Hommage gewidmet wird gegen die idyllische Parkinsel im Rhein?
Viel Spaß bei Screenshot!
Grindhouse-Nachlese Mai 2018: Car Chase und ein Pimp
Grindhouse Double Feature, Cinema Quadrat Mannheim, 26. Mai 2018:
"Kesse Mary – irrer Larry" / "Auf Risiko ist kein Rabatt" / "Dirty Mary Crazy Larry", USA 1974, Regie. John Hough
"The Candy Tangerine Man", USA 1975, Regie: Matt Cimber
Außerdem:
"Alien, die Saat des Grauens kehrt zurück" / "Alien 2 – Sulla terra", Italien 1980, Regie. Ciro Ippolito
"Die nackten Vampire" / "La Vampire Nue", Frankreich 1970, Regie: Jean Rollin
Um meine Versäumnisse ein bisschen wiedergutzumachen, sei
hier im Erinnerungsmodus auf ein paar bemerkenswerte Filme verwiesen – "Alien 2 – Sulla terra" etwa,
auf deutsch "Alien, die Saat des
Grauens kehrt zurück". Sein Science-Fiction-Horrorwerk geht Ciro
Ippolito schamlos dreist an: Juristisch gesehen taufte er seinen Film in
Anlehnung an einen uralten Roman – weshalb Hollywood aus irgendwelchen
Quatschgründen nichts gegen den Alien-Teil im Titel unternehmen konnte; kurz,
nachdem Ridley Scotts Meisterwerk rausgekommen war…
Tatsächlich spielt sich der Film vornehmlich in einer Höhle
ab, nicht in der Höhe des Weltalls. Immerhin wird zu Anfang des Films kräftig
auf die Ankunft einer Raumkapsel nach erfolgreicher Weltraummission gewartet.
Deshalb interviewt ein Herr Interviewer im TV-Studio auch kräftig eine – ähm,
ja: Höhlenforscherin, logisch. Die wird live im Fernsehen ohnmächtig, ihr
Freund – mit Conchita-Wurst-Bart – weiß auch, warum: Sie hat wieder einen ihrer
hellseherischen Anfälle, denn sie ist telepathisch veranlagt. Thelma hat auch
noch was vor, sie trifft sich nämlich mit ihren Höhlenforscherfreunden in einer
Kegelbahn (! – fragen Sie nicht), und dann geht's auch schon los, nachdem einer
der Forscher noch in einem Laden Magnesiumstäbe gekauft hat, die aber den
ganzen Film über nicht mehr auftauchen. Im Übrigen ist das alles eher so eine
Art Wochenend-Ausflug, eine Höhlenparty vergnügungssüchtiger junger Leute.
Wir Geologen, Paläontologen und Troglodyten unter den
Filmzuschauern kriegen das kalte Grausen, wie sie ohne Schutzhelme in die Höhle
runtersteigen, wie sie respektlos an herrlichen Tropfsteinen rumturnen, und
natürlich muss unsere Heldin zwischendurch ihre Brüste freilegen. Sie sieht
zwar hell, aber nicht hell genug, um die Gefahr abzuschätzen, die von dem
blauen Stein ausgeht, den sie gefunden hat und im Rucksack mit sich
herumschleppt. Daraus schlüpft irgendwann so ein Alienteil, das die Höhlenmeute
nach und nach niedermetzelt – mit schönen Effekten, weil das irgendwie auch alles
Körperfresserqualitäten hat und aus scheinbar intakten Menschen durch die
Augenhöhle das Alien rausbrechen kann. Später fliehen die Überlebenden weiter,
weiter nach vorne, da sind dann auch so eine Art lebende Steine, die alienmäßig
die Leute zerfleischen. Telepathisch kann unsere Heldin dann dieses Geschöpf
mental sprengen. Um dann im desillusionierenden Ende zum eigentlichen Sinn und
Zweck des Films vorzustoßen: Der besteht nämlich in der brillanten Idee,
subjektiv den Alienblick aufzunehmen, während Thelma durch die verlassene
Kegelbahn irrt: Die Kamera mit Fleischfetzen behängt blicken wir durch die
Augen der menschenfressenden Apokalypsereiter.
Oder: "Die
nackten Vampire" von Jean Rollin, eine surreale Phantasmagorie um, ja:
um was eigentlich? Die Erinnerungen verwirren sich, Bilder rollen auf mich ein,
ungeordnet, sich überlagernd, traumartig – äh Halt: Ich glaube, das ist doch
genau der Film, wie er auf der Leinwand war. Ungeordnet, sich überlagernd,
traumartig: Ein Forschungsinstitut mit Laboren, bunt beleuchtet und mit bunten
dampfenden Flüssigkeiten, und Untersuchungen an jungen Mädchen, denen Blut
abgezapft wird – von einem anderen jungen Mädchen… Ein mondäner
Selbstmörderklub, alle merkwürdig maskiert, das hallt nach bis zu "Eyes
Wide Shut"; drei gierige Geschäftsmänner, die sich eben jene junge Frau
als Forschungsobjekt halten, die nämlich ist Vampirin, vielleicht glauben sie
auch nur, dass sie Vampirin ist, vielleicht reden sie es ihr auch ein: Aus ihr
jedenfalls soll Ewige Jugend springen, ihr Blut ist besonders (sagen die
Herren), doch der Sohn des Oberbosses kommt mit ihr in Kontakt. Und sieht mehr
als die Geschäftsmänner, sieht den Menschen in ihr, und wird hinübergezogen auf
die andere Seite. Eine Armee von "anderen" dringt in das Schloss der
Herren ein, und wir erkennen: Die anderen sind die Guten, die die Mächte des
Alten, des Verkrusteten aufbrechen, und in einem Herrenhaus, vielleicht auch
ein Theater, darf sich unser junger Held einschreiben für die Reise ins
Anderswo, in die Unendlichkeit, in die Unsterblichkeit, wer weiß.
Hochsymbolisch, tiefmetaphorisch, in unglaublichen Bildwelten, unausdeutbar –
aber doch erstens recht deutlich, nämlich im Sinn von 68er-Befreiungsmythen,
und zweitens sehr cool.
Von sich aus weniger inspirierend freilich war der zweite
Beitrag in der aktuellen Mai-Grindhousenacht: "The Candy Tangerine Man" von Matt Cimber Ein
Blaxploitation-Pimp-Movie aus Los Angeles (nein: nicht New York!), der im
Vorspann stolz verkündet, dass die Nutten und Pimps frisch und direkt aus der
Szene kommen. Im Mittelpunkt: The Baron, dessen Darsteller wir aus dem ein Jahr
später erschienenen "Black Shampoo"
kennen: Er fährt einen alten Rolls Royce, rot-gelb. Und putzt sich immer schön
raus mit feiner Straßencredibilitätskleidung. Er hat Feinde bei der Polizei,
die ihn wegen Rumpimpens austricksen und einbuchten wollen. Und bei der
Konkurrenz, einem schmalen, weichlichen, großmäuligen, zugekokst lachenden
Zusatzpimp, der unter der Fuchtel der Italien-Mafia steht. Der ist auch ein
super Billardspieler, aber der Baron kann ihm trotzdem bei einem Spiel ein allzu
junges Indianermädchen wegnehmen, setzt seinen Gewinn aber nicht lukrativ im
eigenen Nuttenzirkus ein, sondern schickt sie im Greyhound-Bus nach Hause. Er
ist nämlich ein Guter!
Zuvor hat er gezeigt, dass in seinem Auto 007mäßig Maschinengewehre stecken,
mit denen er auf Knopfdruck Widersacher von der Straße ballern kann. Gleich
danach wird er von der Polizei festgenommen wegen nix, und dann ist er wieder
frei. Und als wäre das nicht genug, fährt er am selben Abend ins Grüne,
entsteigt seinem überspannten Auto, zieht die überspannten Klamotten aus,
gewandet sich in einem Anzug und fährt im typischen Wagen eines typischen
Mittelklasslers in die typische Vorstadtsiedlung, weiße Häuschen mit reinlichem
Vorgarten, wo die nette Gattin wohnt, die ganzwöchentlich ihres trauten Gatten
harrt, der in der Stadt die langen und schwierigen Vertreterjobs innehat –
denkt sie. Wir wissens besser, und wir sind voller Anerkennung für diesen
großartigen Storytwist, dass der Baron in Wirklichkeit Ron heißt und ein
Doppelleben führt. Und dass er sowohl der Oberpimp ist als auch der überaus
liebevolle Familienvater. Beides. Gleichzeitig. Mit gleichem vollem Herzen.
Da ist dann ca. ein Drittel des Films rum, und es geht
weiter mit dem Baron, mit den korrupten Bullen, den Mafiosi, immer wieder wird
geballert, es wird auch eng, ein Devisenschwindel fliegt auf, die Sekretärin
des Baron verschwindet, einige Freunde sterben, aber er weiß immer, was zu tun
ist. Auch wenn seine Nutten eingeschüchtert werden, wenn ihnen die Titten abgeschnitten
werden, er ist gut zu ihnen, weil er gut ist. Moralisch gut wie auch
actionmäßig gut, er räumt auf und hat ja einen Rückzugsort, bei seiner Familie.
Das ist gut und schön, für sich aber denn doch auch nicht so
total gut und schön. Da brauchts für einen wirklich gelungenen Abend noch ein
Zusatzplus. Nämlich einen irren Larry, eine kesse Mary und einen getreuen
Heinrich, bzw. Deke. Tatsächlich heißt der Film auf deutsch "Kesse Mary – irrer Larry",
und der Wahnsinn – im Original "Dirty Mary, crazy Larry". Hört sich
bescheuert an, trifft aber den Kern der Qualität des Films auf überraschend
genaue Weise mitten ins Herz. Es geht tatsächlich in einer Art Non-Comedy-Variante
einer Screwballcomedy um das komplizierte und komplexe Verhältnis zwischen
besagter Mary (Susan George) und besagtem Larry (Peter Fonda), mit einer
kleinen Zusatzkomplikation: Larry hat einen Supermarkt ausgeraubt und ist auf
der Flucht, als sich Mary einfach so an ihn dranhängt, weil er zuvor mal eine
Nacht mit ihr verbracht hat.
Man merke auf: Allein schon, dass sich der Zuschauer
Gedanken macht über die Charaktere, ihre Beziehungen zueinander und ihre
Motivationen, sagt schon viel aus über die Qualität des Films. Dass Mr. Landis
sich für seine Blues Brothers viel abgeschaut hat, kommt ihm ebenfalls nur
zugute: Lange Flucht, Polizisten als Versagerverfolger, gar ein Sprung über
eine sich öffnende Klappbrücke…
Und letztendlich, newhollywoodlike, ist das Ganze natürlich
auch 'ne Art Generationenporträt: Warum die kesse Mary überhaupt bei der ganzen
Chose dabei ist? "Ich hab nichts anderes zu tun."
Jetzt sitzt sie da, in seinem Auto, und er wird sie nicht
mehr los. Sie ist offenbar verschossen in ihn und zeigt das, indem sie
spielerisch rumzickt. Er zickt zurück, allerdings weniger spielerisch als
aggressiv. Zeigt dabei aber sein breites Peter Fonda-Grinsen, das dem
nicholsonschen Markenzeichen kaum zurückzustecken hat. Das macht sie umso
heißer. Kampf als Flirt – schön und gut, aber vielleicht nicht gerade im
Fluchtauto, oder?
Deke sitzt dabei und verdreht die Augen. Er ist Komplize bei
einem hervorragend geplanten und konsequent ausgeführten Plan: Supermarktkasse
ausrauben, indem der Boss kurzzeitig erpresst wird. Während Larry im Laden das
Geld aus dem Chefbüro abkassiert, hat Deke beim Boss zuhause dessen Familie als
Geiseln genommen. Mittels Kassettenrekorder am Telefonanschluss wird dann Zeit
gewonnen, und wusch!. Gleich mal über eine Rampe und über ein paar Bauarbeiter,
und dann geht er ab, der Larry! Denn er ist Rennfahrer. Und will sich mit dem
Überfall das Startkapital für eine Karriere verdienen. Und da sieht man, wie
wunderbar man Pläne schmieden und doch erstens den Über-, zweitens den Unterbau
völlig vernachlässigen kann. Larry ist ja nicht maskiert oder so: Wie will er
da in die Nascarserie einsteigen? Und wie will er unauffällig verschwinden,
wenn er erstens bei jedem Truck, den er sieht, Gas gibt, um ihn in
halsbrecherischen Fahrmanövern zu schneiden und auszubremsen und zweitens eine
Spur an verunglückten Polizeiautos hinter sich herzieht, die er mit Karacho
abhängt?
Der Plan an sich ist super: Über Nebenstraßen Richtung
Staatsgrenze, und dort in einer riesige Walnussplantage, mit einem Straßennetz labyrinthisch
durchzogen, die Bullen vollends abhängen. Nur halt die Details. Und die
Ausführung. Weil Larry halt irre ist. Und Mary zu kess. Und Deke zu loyal.
Harald Mühlbeyer
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"Lustig" ist das "Zigeuner"-"Leben": Retrospektive Tony Gatlif, Hofer Filmtage 2017
51. Hofer Filmtage – 24. bis 29. Oktober 2017
Retrospektive Tony Gatlif
 |
| Thorsten Schaumann |
In diesem Jahr übernahm Thorsten Schaumann die Leitung der
Hofer Filmtage. Seit ihrer Gründung bis – fast – zur 50. Ausgabe 2016 wurden
sie von Heinz Badewitz geleitet; und dass die diesjährige Ausgabe sich ganz auf
die Tradition einließ – inkl. Bratwurst und Fußballspiel –, nicht mit den
vorherigen Jahrzehnten brach, auch und vor allem in der Filmauswahl einen
ähnlichen Stil aufwies, bedeutet einerseits die starke Stellung, die Heinz
Badewitz dem Festival erarbeitet hatte. Und andererseits, dass das Festival
stärker ist als die Person, die im Frühjahr 2016 überraschend verstorben war.
Die Hofer Filmtage gehen weiter; und glücklicherweise auch mit einer
Retrospektive. Die Hof-Retros nämlich haben regelmäßig Filmemacher (neu oder
erneut) ins Bewusstsein gerückt, die zumindest in der deutschen Rezeption im
Abseits standen. Entdeckungen der Filmgeschichte sind hier zu machen – nicht
notwendig in vollständigen Werkschauen, aber in Schlaglichtern, die das
filmhistorische Bewusstsein erweitern.
 |
| Tony Gatlif |
Nun war in letztem Jahr die Retro – geschuldet
wahrscheinlich dem Interims-Leitungstrio um Schaumann, Alfred Holighaus und
Linda Söffker – sehr einfallslos und mau ausgefallen: Fünf Filme aus fünf
Jahrzehnten, das auszudenken und zu organisieren war sicherlich nicht allzu
viel Arbeit. Verständlich: Die drei mussten sich erstmal überhaupt darauf
konzentrieren, das Festival als Gesamtes zu stemmen. 2017 nun, da sich
Schaumann auf das Festival einlassen und das rege Hofer Filmtage-Team ganz neu
einspannen kann, ist sie gottseidank wieder da, die Retro. Diesmal mit dem
französischen Filmemacher Tony Gatlif.
Gatlif – ich habe sogar einmal einen Film von ihm gesehen,
2002: "Swing". Eine meiner allerersten Pressevorführungs-Besuche. Ich
wusste kaum mehr etwas von dem Film, bis ich ihn hier in Hof wiedersah.
"Swing" enthält typische Gatlif-Elemente: Auf der ersten Ebene das
Präsentieren der französischen Roma-Kultur; auf der zweiten Ebene läuft das
dadurch ab, das ein "Nicht-Eingeweihter" in diese Kultur eingeführt
wird. Drittens haben wir einen Durchwurschtler als Hauptfigur, einen
Angehörigen der Roma, der sich das Leben, das er haben will, auf verschiedenen
Wegen erschleicht. Und viertens wird all dies eng mit der Musik verbunden. Im
Kontext von "Swing" sogar schon im Titel – der Name auch des
Zigeunermädchens, um das es geht, mit dem der zehnjährige Max Freundschaft
schließt: Max ist ein Gadjo, ein Nicht-Rom, der die Musik liebt, der sich über
Swing eine Gitarre besorgt und bei Swings Onkel Miraldo Unterricht nimmt. Und
dadurch so richtig initiiert wird.
Die Story ist einerseits die einer Freundschaft, warmherzig
erzählt, dem Film-Standard "Letzter Sommer der Kindheit" entsprechend
– zwischen Kindheit und Pubertät, zwischen Kumpelbeziehung und Liebe spielt
sich das ab, was Max und Swing erleben. Andererseits ist die Story lediglich
Aufhänger und roter Faden für das, was Gatlif tatsächlich will: Er will die
Musik wieder ins Bewusstsein bringen, Meister wie Tchavolo Schmitt und Mandino
Reinhardt – aus der weitläufigen Familie des Altvorderen Django Reinhardt: Die
spielen sich weitgehend selbst, und in langen Passagen feiert der Film die
Musik, wenn sich alle zum spontanen Fest versammeln, wenn der Wohnwagen
angefüllt ist mit Musikern, wenn der Swing so richtig rüberkommt.Ein anderes Element des Gatlif'schen Kinos findet sich in "Swing": Die Angstfreiheit vor dem Klischee. Denn wenn Gatlif seine Kultur zeigt, dann einerseits realistisch, mit all dem Dreck im Slum, dem Druck der Obrigkeit, dem Hass der Nicht-Roma, der Mehroderweniger-Klein-Kriminalität, der jahrhundertewährenden Geschichte von Unterdrückung, Vertreibung und Vernichtungsversuchen. Doch andererseits findet er auch immer wieder auf die Schiene des Märchenhaften, vor allem in den Abendszenen, wenn die Gemeinschaft am Lagerfeuer sich zu Tanz und Musizieren zusammenfindet – dann sind wir sehr nah dran am typischen Bild der Zigeunerromantik. Das ist zunächst nicht allzu schlimm – Woody Allens beste Filme baden im Klischee des New Yorker Judentums –; ist bei Gatlif aber mitunter beinahe schon störend.
Deutlich wird das in "Transylvania" aus dem Jahr
2006. Hier reisen zwei Freundinnen nach Rumänien, Zingarina sucht in Begleitung
von Marie ihren Geliebten, einen Roma, der abgeschoben wurde. In Transsilvanien
geraten sie in die Kultur von, was sonst, Musik und Tanz, in kleinen
Kellerkneipen, in edlen Hotels, beim großen Festumzug. Der Traum von der großen
Liebe zerplatzt schnell, auch die Gemeinschaft der Freundinnen zerbricht – und
erst im Mittelteil kommt der Film so richtig zu sich, wird zu einem großen
Erlebnis. Bezeichnenderweise, wenn die Musik aufhört. Denn Zingarina ist nun
mit dem Durchwurschtler Tchangalo unterwegs, der sie aufgelesen hat. Er ist
irgendwie Deutscher, Antiquitäten- und Goldhändler, wird gespielt von Birol
Ünel; und im Team mit Asia Argento, die die französisch-italienische Zingarina
spielt, ist er unschlagbar. Die beiden zusammen: Eine Amour fou on the road
durch Transylvanien. Er ein Hallodri und Geschäftemacher, sie schwanger,
verzweifelt und immer mehr wie eine gipsy
woman angekleidet. Schmuck, bunter Rock, Kopftuch. Zwei, die nirgends
dazugehören und deshalb zusammenfinden. Geschickt baut Gatlif die merkwürdige,
ambivalente Beziehung der beiden auf, führt sie lange Wege über die Straßen,
vom Sommer in den Winter; zwei Einzelgänger, die die Unabhängigkeit suchen, tun
sich zusammen. Das ist stark inszeniert, mit situationskomischen Einsprengeln
und dramatischen Emotionen – und die einzige Musik dabei: Wenn sie mal auf dem
Rad dem Auto davonfährt und "Avanti popolo" singt; und wenn er ihr
"seine" Musik vorführt, den deutschen Schlager: "Marmor, Stein
und Eisen bricht". Ansonsten im Mittelteil musikfrei – und man kann sich
wohltuend auf die Charaktere und ihren Weg konzentrieren.
In "Transylvanien" verpasst Gatlif zu Beginn die
rechte Balance, was den Musikeinsatz angeht. Er selbst ist Musiker, schreibt
den Soundtrack und spielt ihn oft auch mit ein – ohne Musik kein Film. In
"Exils" von 2004 geht es denn tatsächlich um einen Musiker; freilich
keinen Roma, sondern einen algerischstämmigen Franzosen – Gatlifs Vater stammt
aus Algerien, die Familie ist nach dem Algerienkrieg nach Frankreich
umgesiedelt. Genau darum geht es in "Exils", allerdings geht die
Reise in die andere Richtung. Zano (Romain Duris) und seine Freundin Naïma
(Lubna Azabal) beschließen eines nachmittags, nach Algerien zu reisen. Sie ist
Nordafrikanerin, aber voll französisch erzogen. Naïma hört revolutionäre Musik,
ein Rock-Techno-Agitprop-Misch, den Gatlif betextet und komponiert hat; Zano
mauert seine Violine ein, er kann die Musik nicht weiterverfolgen, bevor er etwas
über seine Vorfahren in Algier erfahren hat.
Die Reise geht los, und sie hangelt sich an musikalischen
Zwischenspielen entlang. Mal eine Gruppe "manouches", mal Flamenco –
ohne Geld über paar tausend Kilometer bis zu den Klängen Nordafrikas, wo in
einer langen, hypnotischen Sequenz Musik, Trance und Selbstfindung
zusammenfallen. Gatlif findet in "Exils" zu einem mitreißenden
Roadmovie, zu einer schönen Liebesgeschichte, zum Clash und zum Finden der
Kulturen – in Cannes erhielt er für den Film den Regiepreis.
Der Gatlif-Film, der mich am meisten beeindruckt hat, stammt
allerdings aus dem Jahr 1982: "Les Princes", der früheste
Gatlif-Film, der in Hof gezeigt wurde. Nara ist der Proto-Rumtreiber par
excellence, um ihn spinnt sich – nein, keine Handlung, sondern Situationen des
Lebens selbst. Wir tauchen tief ein in den Alltag der Roma, die in zerfallenen
Wohnungen in zerfallenen Häusern hausen, stets bedroht von der Zwangsräumung.
Auf der Straße steht ein Pferd, auf der Wiese voller Schrott spielen die
Kinder. Man muss irgendwie durchkommen – mal hier Antiquitäten renovieren, An-
und Verkauf von allem möglichen, gerne auch mal ein kleiner Diebstahl. Wichtig:
Die Familie. Und: Das Überleben. Liebe – nur nach den Regeln der Tradition und
der Ehre.
Nara hat seine Frau verstoßen, wohnt jetzt mit seiner Mutter
und seiner Tochter; die Frauen haben wenig zu sagen, regeln aber hintenrum
ziemlich viel. Die Mutter aber darf die Tochter nicht sehen. Ihr Vergehen: Sie
hat zehn Jahre lang die Pille genommen und Nara nichts davon gesagt. Lüge und
Vorenthaltung von Nachwuchs – das ist zuviel. Auch, wenn sie nur naiv dem Rat
des Sozialamtes gefolgt ist. Mit ihren Brüdern muss Nara die Sache regeln. Sein
Freund, ein Gadjo, ist Kumpan bei diversen kriminellen Aktivitäten – bis es
Nara zuviel wird, und er zeigt, was in ihm steckt, auch über das fragile
Konzept von Freundschaft hinaus. Nachts brüllt jemand auf der Straße nach
seiner Beatice, die ihn verlassen hat, ein Verrückter, der zum Erscheinungsbild
gehört. Einmal trägt einer ein halbes geschlachtetes Tier auf der Schulter
durch die Gegend – Rind? Schwein? Pferd? –, Nara darf sich eine Scheibe davon abschneiden.
Irgendwann rückt die Polizei an, Nara und Familie werden rausgeschmissen; und
im letzten Drittel des Films geht es radikal um die Selbstbestimmung dieser
Kultur. Naras alte Mutter macht sich auf, will zum Anwalt, jetzt reicht es.
"Ihr seid Ratten, ihr müsst vertrieben werden!", ruft einer der
Flics, als sie den Wohnwagen anzünden, in dem Naras Familie zwischendurch
nächtigen. Sie sitzen auf der Straße, Mitleid und Unterstützung gibt es kaum,
außer von den eigenen Leuten – aber die haben auch nichts. Der Weg zum Anwalt
ist lang, vielleicht zu lang für ein Leben, für eine Generation; all die Last
der Vergangenheit, der ständigen Repressionen, der Vernichtungsaktionen der
Nazis, der Verdrängung lasten auf den Schultern. Das Höchste an behördlicher
Hilfe: Zuweisung eines Lagerplatzes für die "nomades"; der entpuppt
sich als die örtliche Müllkippe.
In einem Nobelgasthaus hat Nara ein Interview arrangiert mit
einer Journalistin, der er die Situation schildern will; die aber, ganz
engagierter Kulturmensch, interessiert sich vor allem für die Frage der Frau in
der gipsy-Kultur. Ja sicher,
angesichts des patriarchalischen Chauvinismus von Nara eine spannende Frage –
aber nicht existentiell brennend für die, die am Abgrund stehen und von hinten
geschubst werden. Erstmal muss überhaupt eine Lebensgrundlage geschaffen
werden, bevor sich die Frage stellt, wie
gelebt werden könnte oder sollte…
Ein unglaublich starker Film ist "Les Princes",
der unversöhnlich von der Unüberbrückbarkeit erzählt, der die ganz eigene
Kultur der Manouches vorstellt und
dabei jeden Anflug von Zigeunerromantik unterlässt. Dafür äußerst detailreich
das Elend beschreibt, ohne etwas zu beschönigen: Da hat sich die Retro gelohnt
– von diesem Frühwerk ausgehend die Filmographie von Tony Gatlif zu erforschen.
Harald Mühlbeyer
Grindhouse-Nachlese Juli 2017 - Blut am Freitag; auf einer Insel; und in einem unsinnig schlechten Film
Grindhouse-Triple-Feature:
"Blutiger
Freitag", BRD/ITA 1972, Regie: Rolf Olsen
"Nove ospiti per
un delitto" / "Neun Gäste für den Tod", ITA 1977, Regie:
Ferdinando Baldi
"Samurai
Cop", USA 1991, Regie: Amir Shervan
Banküberfall mit Geiselnahme – das war 1971 was ganz Neues.
Großes Geld ganz auf die Schnelle, ohne Risiko, mit einer Polizei, die
angesichts der neuen Brutalität völlig überfordert ist… Man braucht nur einen
Plan, und den muss man präzise ausführen, das weiß Heinz Klett, der ganz genau ausgebaldowert
hat, was die Gangster in der Prinzregentenstraße in München, in Köln, in
Ludwigshafen alles vermasselt haben. Er und seine Kumpane werden es anders
angehen!
"Blutiger Freitag" nimmt eine hochinteressante
Perspektive an: Inspiriert vom Prinzregentenstraßen-Bankraub vom August 1971
bringt er eine Art Action-Aktualitätenschau ins Kino, nur wenige Monate nach
der aufsehenerregenden Tat inkl. totem Räuber und toter Geisel – und er
beleuchtet davon ausgehend die Trittbrettfahrer, die sich ein Beispiel nehmen
an der Untat. Man muss es vor allem brutal angehen, dann glauben die Bullen,
sie haben's mit Baader-Meinhof persönlich zu tun; und man darf nicht zimperlich
sein, in jedem Kampf gehen Unschuldige drauf.
Rolf Olsen hat sich sofort nach der kriminalhistorischen
Geiselnahme ans Drehbuch gesetzt, hat gedreht, hat seinen Film rausgehauen, und
es wurde ein leider ganz unbekannter Kriminalklassiker des deutschen Kinos
daraus. "Blutiger Freitag" – wie sehr Dominik Graf von diesem Film
schwärmt in seiner Doku "Verfluchte Liebe Deutscher Film"! Mit
Hochdampf fängt der Film an, mit Hochdampf geht es weiter, immer direkt am
Tempolimit: Wir folgen Reimund Harmstorf in seiner Rolle als Heinz Klett,
brutaler Straftäter und Berufszyniker, der vor nichts zurückschreckt. Mit zwei
Kumpanen entflieht er aus dem Gerichtsgebäude, in das er von der U-Haft
transportiert wurde, haut zwei Polizisten auf dem Klo zu blutigem Brei
("Ich knall dich hier auf dem Scheißhaus ab, du Drecksau!" – er lässt
es sich nicht nehmen, stets noch ein paar demütigende Beschimpfungen
draufzusetzen.) Zusammen mit dem Italiener Luigi und dessen Freundin Heidi will
er eine Bank überfallen, das große Geld und danach die große Flatter machen.
Heidis Bruder Christian, frisch von der Bundeswehr desertiert, stößt auch dazu,
und um 15.15 Uhr geht es los: Eine Bank, zehn Geiseln, vier Millionen Mark
Forderung und hunderte Schaulustiger auf der Straße. Maschinenpistolen und
Handgranaten, Polizisten und Reporter, und bald der erste Todesfall: Ein Kind
spielt mit einer der Handgranaten, ein Polizist wirft sich heldenmutig drauf,
und ungeahnt blutige Gedärme fallen ihm nach dem Knall aus dem Bauch…
Olsen macht kein verzärteltes "Tatort"-Kino (und
hätte er ein paar Romanzen-Motive rausgenommen, wäre der Film überhaupt nicht
mehr zu toppen gewesen). Olsen zeigt the
real thing, die Brutalität der Gangster, die Folgen dieser Brutalität, und
in gewisser Weise auch die Ursache. Denn neben der spannenden
Gangstergeschichte ist "Blutiger Freitag" auch ein
Gesellschaftsporträt, in der die Abgehängten – oder die, die sich dafür halten
– aufbegehren. Auf falsche Weise, aber irgendwo mit berechtigten Einwänden gegen
und Ansprüchen an die Gesellschaft. Teilhabe am großen Kuchen, kein
vorgefertigtes Leben in Büro und Ehe, kein Staat, in dem die Reichen schalten
und walten, wie es ihnen gefällt, kein Staat, in dem das Kapital bestimmt.
Klett und Konsorten haben sich ein kleines Sammelsurium an revolutionärem
Vokabular angelernt, nachgeplappert von den politischen Oppositionskräften der
Straßen, von den Studenten und auch von den Terroristen. Das ist einerseits
reichlich hilfloser Ausdruck tief empfundener Ungerechtigkeit nach vorgefertigten
Schablonen, das ist andererseits Rechtfertigung des eigenen bösen Handelns,
indem es auf eine höhere Ebene des Gesellschaftskampfes gestellt wird – das hat
aber drittens auch eine Wahrheit in sich: Denn wir sehen ja die Enge, die
Tristesse der Nachwirtschaftswunderjahre, die Spaltung, in der der gestandene
Bayer für die Todesstrafe plädiert, in der andererseits der pleitegegangene
Bankkunde am liebsten bei den Geiselnehmern mitmachen würde: Heinz H. Hilbich,
hippelig wie immer, spielt diese Witzfigur auf geradezu berührende Weise, ein
kleiner Wurm mit einer bösartigen Frau und einem entfremdeten Kind, der hier
seine Chance sieht, sich an Heinz Klett anzuhängen, ach, nehmt mich doch mit,
ich tu, was ihr wollt!
Eine der Geiseln: Gila von Weitershausen, eine
selbstbewusste Studentin und Tochter des Kaufhauskönigs der BRD, mit hohem
Geldwert – und ihr Vater, der Oberbonze, hat sie alle in der Tasche, die
Polizei, die Staatsanwaltschaft, die Politik. Bei solchen Leuten kann man die
Gangster irgendwie verstehen, räsoniert der Einsatzleiter der Polizei… Und das
ist quasi die Essenz dieses Films, ein Gesellschaftssumpf, aus dem die Heinz
Klett-Faulgase hochsteigen, und es wird nicht zu stoppen sein, zumindest nicht
im Kugelhagel der Maschinenpistolen.
Waren wir mit "Blutiger Freitag" filmisch direkt
dran an der Wirklichkeit, so geht es mit "Nove ospiti per un delitto"
ins Giallo-mäßig Irreale bis Irre. Der Film, der in Deutschland ursprünglich
nicht rausgekommen ist und inzwischen auf DVD veröffentlicht wurde – daher
nachträglich der Titel "Neun Gäste für einen Toten" – ist typisch.
Wir hatten ja schon mal "Five Dolls for an August Moon" im Grindhouse,
und dem können die neun Gäste eigentlich wenig hinzufügen: Zumal Mario Bava der
bessere Regisseur ist, visuell zumindest, wenn auch nicht erzählerisch. Wieder
haben wir eine einsame Insel, auf der die Reichen ihre Ferien verbringen,
wieder werden sie einzeln abgemurkst. Das ist stylisch gemacht, ganz klar, das
Haus ist schön modern, und es stehen allerhand Spielzeug-Gegenstände herum –
ein Stehaufmännchen, Kugelstoßpendel, Geduldspiele: Sie zeugen symbolisch von
der Sinnlosigkeit der Bonzenexistenz, in der Reichtum, Neid und Langeweile
schon längst alle Gefühle abgetötet haben.
Interessant an dem Film ist die Entwicklung der Geschichte:
Zunächst befinden wir uns in einer "Reich und schön"-Seifenoper, in
der schmierige Charaktere querbeet miteinander rummachen, Seitensprung ist
öffentlich, Untreue ist en vogue, und Gehässigkeit wird unter der Hand voll
ausgespielt. Wir erleben neun Menschen, die sich selbst zuviel sind, die mit
dem Alter kämpfen – das Haar wird dünn, das Gesicht faltig, und wahrscheinlich
um sich ihrer Körper zu versichern laufen die Frauen in transparenten Kleidern
mit nix drunter rum. Nymphomanie und Testosteron treffen auf Frigidität und
Impotenz, Bruder hasst Bruder hasst Vater, die Frauen sind im
Hyperverführungsmodus, und irgendwann geht eine – bunter, durchsichtiger
Kleidung natürlich – auf die Terrasse, sie hat soeben einen Akt des Ehebruchs
beobachtet, und wie aus dem Nichts und völlig überraschend und deshalb sehr
witzig macht sie – neben dem Garten! – eine Dusche an und zeigt uns ihren noch
recht ansehnlichen Leib!
Dann beginnen die Morde, ein Whodunnit, wie er im Buche
steht, und irgendwie scheinen alle nicht so richtig das zu tun, was man im
Angesicht einer Mordserie so zu tun pflegt, vielleicht sind sie alle
tatsächlich verrückt, nicht nur die Hellseherin und die Tante, die besessen ist
von einem Mord auf der Insel, der 20 Jahre zurückliegt… Immerhin hat der
Serienkiller einiges drauf an Einfallsreichtum, was die Mordmethoden angeht: Da
wird eine Frau mit Ankündigung durch einen Traum von der hohen Klippe gestoßen,
da scheint eine andere zu schlafen, aber in Wirklichkeit liegt nurmehr ihr
abgetrennter Kopf im Bett, ein anderer stürzt in eine Fallgrube, wird in ein
Fischernetz gewickelt, mit Benzin übergossen und zur Explosion gebracht. Sex
und Mord – die Giallo-Elemente sind hier voll ausgespielt.
Nun war dieser Abend ein warmer Juli-Sommerabend, und für
warme Juli-Sommerabende hat sich die Tradition eingebürgert, die monatlichen
Grindhouse-Doppelnächte zum Triple-Feature auszuweiten. Ein Glück für mich, war
ich doch in den vergangenen Monaten terminlich verhindert und leide an heftigen
Trashfilm-Entzugserscheinungen; und ein löbliches Ansinnen, kann auf diese
Weise doch in einer einzigen Nacht ein beinahe repräsentativer Querschnitt
dessen geboten werden, was innerhalb des Grindhouse-Labels möglich ist. Dazu
gehört Krimikunst wie Sex&Crime, und dazu gehört auch das richtig schlechte
Kino. Ein Kino, in dem nichts mehr zusammenpasst, in dem die Story
zusammengestoppelt ist, in dem die Handlungen unmotiviert sind, in dem
Darstellung, Kamera, Schnitt, Musik, kurz: alles, was einen Film zum Film
macht, nicht einmal mehr unterrepräsentiert, sondern überhaupt nicht vorhanden sind.
Ein solcher Film ist "Samurai Cop", eine Direct-to-video-Produktion
von Anfang der 1990er im Gefolge der "Lethal Weapon"-Reihe.
Hier herrscht nicht einmal mehr Lustlosigkeit vor, sondern
vollkommenes handwerkliches Nichtkönnen. Dies ist natürlich der Grund, den Film
anzusehen, und tatsächlich hat "Samurai Cop" eine ansehnliche
Anhängerschaft versammeln können, schlicht, weil er so schlecht ist, dass es
kracht. Andererseits: Was soll man über einen Film sagen, wo schon die
Kamerawinkel so bekloppt mies sind, weil keiner je was von Blickachsen gehört
hat, wo die Schauspieler nichts tun können als immer gleich gucken, und wenn
sie gucken, dann auch noch in die falsche Richtung, wo Schmalhans
Ausstattungsmeister war, wo die Filmmontage genau die falschen Schnitte setzt,
zur falschen Zeit und am falschen Filmmaterial, wo die Essenz, die Botschaft im
Befehl des Hauptkommissars liegt: "Kill them all!", die Bösewichter
nämlich, wo ohne Sinn und Verstand geprügelt und geschossen wird, und schön
gestorben natürlich auch.
Und wo der Hauptdarsteller – Matt Hammon hat sonst
eigentlich nix mehr gemacht, lebt wahrscheinlich von der Tatsache, in diesem legendären
Film mitgespielt zu haben –, wo der Samurai Cop mit Silberblick und
unermesslichem Schlag bei den Frauen (die sich gerne ausziehen und ihre Hintern
im Stringtanga zeigen), wo dieser Haudrauf-Cop mit seinen langen, schön
gefönten Haaren immer mal wieder eine Perücke (!) aufhat, einfach deshalb, weil
er nach den Dreharbeiten beim Friseur war und dann doch noch, wen wundert's, für
Nachdrehs eingesetzt werden musste. Die freilich haben den Film nicht
verbessert. Bzw. doch: Weil durch diese ausgedehnten Perückenszenen der Film
genau über das Maß gezogen wird, das von "schlecht" zu "schon
wieder unterhaltsam" führt. Weshalb man "Samurai Cop" mit gutem
Vergnügen ansehen kann. Aber nicht muss – im Gegensatz zum noch schlechteren
und deshalb noch besseren Nazi-Rocker-Martial Arts-Quatsch "MadFoxes".
Harald Mühlbeyer
Grindhouse-Nachlese Januar 2017 – Der Zug, der nicht anhalten konnte, und die Aliens, die Spielzeug waren
Cinema Quadrat, 28.
Januar 2017:
"Shinkansen daibakuha"
/ "Panik im Tokio-Express" / "Killer Train – Höllenfahrt ins
Jenseits" / "Bullet Train", Japan 1975, Regie: Junya Satô.
"Sûpâ robotto
Maha Baronu" / "Roboter der Sterne", Japan/Taiwan/Hongkong 1974,
Regie: Koichi Takano.
Vor ungefähr 20 Jahren lief da dieser eine Film in den
Kinos, großer Erfolg, na, wie hieß er noch? Ach ja: "Der Bus, der nicht
anhalten konnte"! Da fahren die und dürfen nicht langsam sein, weil sonst
explodiert's. Und jetzt pass auf: Ungefähr 20 Jahre vorher lief ein Film in den
Kinos, der hieß, na, "Der Zug, der nicht anhalten konnte", oder so
ähnlich. Beziehungsweise "Panik im
Tokio-Express". Von 1975. Es geht darum, dass die nicht langsamer
fahren dürfen, weil sonst explodiert's.
Die Japaner! Das Spannungskino haben sie drauf,
wahrscheinlich, weil sie "Stoppt die Todesfahrt der U-Bahn Pelham
123" gesehen haben. Und so legen sie hier einen ganz straighten Thriller
vor, und das in Überlänge von zweieinhalb Stunden. Gütezeichen: Kommt einem
nicht so vor. Klar ist manches ein bisschen billig inszeniert. Zum Beispiel die
Rückprojektionen, die eine Zugfahrt simulieren. Aber andererseits hat Hitchcock
in dieser Disziplin auch versagt, wie in seinen diversen Filmen seit Ende der
50er zu besichtigen ist… Oder die Panik der Passagiere, die immer ein bisschen
zu gewollt ist und wo man sieht, dass die Statisten halt nicht die besten Schauspieler
sind.
Aber andererseits ist der Film sehr schön aufgebaut: Wir
haben den Zug, eine Art Proto-ICE, der von Tokio nach Hakata rast und immer
über 80 km/h bleiben muss. Wir haben die Eisenbahnbehörde mit ihrem tollen
Kontrollraum, wo an den Wänden mit blinkenden Lichtern die Positionen der Züge
angezeigt werden. Wir haben die Polizei, die alles tut, um die Erpresser zu
ermitteln; auch die Passagiere dem Risiko des Todes aussetzen. Und wir haben
die Verbrecher, und deren Boss bekommt als einziger im Film eine Backstory
verpasst, die mehr ist als seine Handlungsfunktion. In Rückblenden bekommen wir
sein Schicksal mit, der Verlust seiner Firma, der drohende Bankrott, die
Scheidung, und seine jungen Freunde, zwei Männer, die er bei sich aufgenommen
hat. Und nein, dass die drei irgendwie schwul sind, wird nie behauptet! Und
selbst wenn das im Subtext aufscheinen würde: Es wäre nicht schlimm, wird nicht
verteufelt. Nein, das ist ein armer Hund, und Menschenleben will er auch nicht
aufs Spiel setzen.
Zwischen Eisenbahn und Polizei gibt es feines
Kompetenzgerangel – Kompetenz weniger im Sinne von "Zuständigkeit"
denn von "Fähigkeit". Die einen zeihen die anderen der Inkompetenz,
die Ziele sind eben auch unterschiedlich zwischen Rettung und
Verbrechensbekämpfung. Und zwischendurch bekommt der Film seine besondere Kraft
durch die Dynamik, die sich ergibt, weil diese beiden Institutionen des Guten
trotz ihrer Gegensätzlichkeiten zusammenarbeiten müssen. Die Polizei ermittelt
auf ihre Art, via Fingerabdrücke, Beschattung, Zugriff. Die Eisenbahner
versuchen, das Versteck der Bombe im rasenden Zug herauszubekommen, mittels
Hochgeschwindigkeitsfotographie: Kameras filmen von unten den über eine Brücke
brausenden Zug…
Ja, ein guter Film, ein echter Thriller, kaum trashig, dafür
Hochgeschwindigkeitsaction, aus der man Blockbuster stricken kann.
Der zweite Film des Abends: Ebenfalls asiatisch. Allerdings:
völliger Blödsinn. "Roboter der
Sterne" ist ein Zusammenschnitt einer Fernsehserie, aufbereitet für
den Kinoeinsatz in Japan und, seltsam genug, in Deutschland; sonst nirgendwo
auf der Welt. Und so hören wir Robert De Niro, wie er hier Kai spricht, der
Held dieser abstrusen Geschichte von Weltallrobotern und irdischen
Gegenrobotern, die sich im Bermudadreieck bekämpfen. Nichts mit "Du
laberst mich an", siehe ein Jahr später. Sondern: "Macht sie
fettig!" Das ist der Kampfruf der Guten, die in ihrem unterseeischen
Versteck immer wieder ausfahren mit U-Booten und Kampffliegern und als
Wunderwaffe einem Riesenkampfroboter, um die Bösewichter zu bekämpfen. Dieser
Superroboter heißt "magischer Ballermann", weil auf seinem Gürtel die
Initialen "MB" stehen; muss man ja irgendwie übersetzen. Die
außerirdischen Schurkenfeinde sind dafür verantwortlich, dass im
Bermuda-Dreieck Schiffe und Flugzeuge verschwinden, und der Herrscher der
Galaxie will die Erde untertan machen und hat dafür Haare am Kopf, die
meterweit ins All hinausragen und immer wieder von anderer Farbe sind.
Eigentlich scheint das ein Kinderfilm zu sein. So albern sind
die Bilder und Geschichten: Sie könnten das sein, was sich im Kopf eines
Fünfjährigen mit zu viel Plastikspielzeug im Kinderzimmer zusammenfantasiert.
Wenn er seine Pillen nicht, bzw. die falschen, bzw. zu viel genommen hat. So
schön bunt das alles ist, und so sehr im Deutschen die Synchro sich bemüht,
noch mehr Quatsch auf den Zuschauer abzudrücken (insofern ist sie in diesem
Fall kongenial): Irgendwann kommt ein Polizist angeflogen(!) auf seinem
Motorrad (!), an das er einen bunten Luftballon gebunden hat (!). Und die Guten
werden immer wieder angegriffen von den Außerirdischen auch an Land, und zwar
von einer Mannschaft von American Football-Spielern. Wohlgemerkt: Das sind
alles Schlitzaugen hier! Christian Brückner, der De Niro-Sprecher, sondert
ähnlichen Sprachmüll ab wie seine Kollegen, und irgendwann werden seine
Flugpilot-Kameradin und deren Geschwisterchen von den Bösen entführt, weil, und
das ist wohl die Haupthandlung, die Aliens aus einem Bergwerk irgendein Erz
brauchen, und die Guten unter Führung des Professors und unter Mithilfe von Kai
in seinem Roboter müssen kämpfen, was das Zeug hält, und übrigens kann der
Roboter seine Fäuste schleudern, aber die Feinde haben immer neue Roboter, und
die sind auch unbesiegbar wegen dem Erz aus dem Bergwerk, und der Professor
stirbt, aber mit Deltastrahlen kann er wieder auferstehen, und ach, es ist
schade, ich habe all die Sprüche im Film nicht mitgeschrieben, die Kai in
seiner Kiste und all die anderen Futzis so von sich geben, man müsste den Film
nochmal sehen aber andererseits nee, doch lieber nicht.
Harald Mühlbeyer
Grindhouse-Nachlese Dezember 2016: Weihnachten und Halloween
Grindhouse-Doppelnacht
17.12.2016, Cinema Quadrat Mannheim
"Black
Christmas" / "Silent Night, Evil Night" / "Jessy – Die
Treppe in den Tod", Kanada 1974, Regie: Bob Clark
"Halloween III:
Season of the Witch" / "Halloween – Die Nacht der Entscheidung",
USA 1982, Regie: Tommy Lee Wallace
Ja, so ist es mit Sequels, Nachfolgern, Epigonen: Die immer
gleichen Standardsituationen werden nochmal und nochmal wiedergekäut, dasselbe
Rezept zehnmal aufgekocht, und natürlich weiß man immer schon, wie es
weitergeht. Und, hach, beim Slasher passiert alles in der Zeit um einen
Feiertag rum, und dann haben wir halt einen Killer, der sich einem
altherrschaftlichen Haus nähert, und das wird mit subjektiver Kamera gezeigt,
und dann schleicht er sich auf den Dachboden und killt eine der Studentinnen
nach der anderen, und dann gibt es Telefonterror, und dann gibt es
schizophrenes Gebrabbel, und dann findet die Polizei auch noch raus, dass die
Anrufe aus dem selben Haus kommen, in dem das Final Girl auf GAR KEINEN FALL
die Treppe hoch soll, und dann… und dann – ist das aber ein Film aus dem Jahr
1974, und damit keine Halloween- und Unglücksfreitags-Kopie, und dann ist dies
hier also das richtig wahre Original des Slashergenres: "Black Christmas" enthält
tatsächlich alles, was den richtig guten Slasher ausmacht, und das in
bemerkenswerter Perfektion, lange vor Beginn der Schlitzerwelle Ende der 70er,
Anfang der 80er.
Mittelpunkt der Handlung: Das Schwesternschafts-Haus, in dem
sich die Studentinnen auf Weihnachten vorbereiten. Während außen die
Point-of-View-Kamera sich dem Gebäude annähert, an der Fassade hochklettert,
sich im Dachboden versteckt… Dort hockt nun das Böse, und unten schellt das
Telefon. Wieder dieser perverse Anrufer mit seinem Schnaufen, mit seinem wirren
Gefasel. Barb wiegelt ihn schroff ab. Sie ist so was wie die Anführerin, die
mit vorlauter Schnauze die Dinge regelt. Und sich gerne abfüllt. Aber sie ist
nicht die Hauptfigur hier, auch wenn sie bei der Weihnachtsfeier fleißig einen
Zehnjährigen von ihrem Likör probieren lässt, und auch wenn sie bei der Polizei
große Töne spuckt. Denn eine ihrer Kommilitoninnen ist verschwunden, nachdem
sie in die obere Etage gegangen ist; und keiner weiß, dass sie auf dem
Dachboden im Lehnstuhl sitzt, tot…
Polizei: Das ist Teil der komischen Linie, die der Film
fährt. Da ist dieser Polizist am Empfang, der nix kapiert. Und der nix kapieren
will. Der alles falsch macht. Und sich dabei gar nicht schlecht fühlt. Typisch
unkündbarer Beamter. Und dumm dazu: "Fellatio" als Telefonvorwahl
schluckt er anstandslos, mit dieser Angabe verarscht ihn Barb… Eine andere
komische Figur ist die Haushälterin im Studentinnenwohnheim, dem Alkohol nicht
abgeneigt, in den abstrusesten Ecken versteckt sie ihre Flachmänner. Apropos
Männer: Auch da ist sie interessiert, beispielsweise am Papa des ersten Opfers,
der seine verschwundene Tochter sucht. Und entsetzt ist über die Sitten, die in
diesem Hause herrschen. Da gibt es Alkohol. Und Männer gehen auch ein und aus!
Er ist so'n vertrockneter prüder Futzi, und die Haushälterin tut alles, um mit
ihrem stämmigen Körper dieses eine Plakat zu verdecken, wo zwei Nackige
aufeinanderliegen… Ja: Dem Humor ist "Black Christmas" nicht
abgeneigt! Weshalb auch schön lakonisch ein Weihnachtsmann "Fuck"
sagen darf. Doch dieser Aspekt sollte nicht davon ablenken, dass es hier ums
Böse geht!
Die Haushälterin ist die nächste, die dran glauben muss. Auf
einfallsreich-perfide Weise wird ihr der Garaus gemacht: Als sie über die
Bodenklappe auf den Dachboden steigt, lässt der Killer den Haken eines
Flaschenzugs auf sie zuschießen, und da baumelt sie!
So langsam schält sich die zuvor eher unscheinbare Jessy als
Hauptfigur heraus. Sie hat einen Freund, Peter, Pianostudent am Konservatorium.
Der wird gespielt von Keir "2001" Dullea, und er hängt sich so rein
in sein Klavierspiel… Hat was von Keith Emerson selig, wenn er seinen Flügel
zertrümmert, weil das Vorspiel scheiße gelaufen ist. Überhaupt nagt etwas an ihm,
wahrscheinlich, dass Jessy von ihm schwanger ist und abtreiben will.
Jetzt ist das fast ein Problem für den Film, dass der
Whodunnit-Part ein bisschen kurz kommt. Einen anderen Verdächtigen als Peter
hamwer net, so sehr wir auch hoffen, dass der spießige verklemmte Papa
vielleicht doch… weil alles so unsagbar obszön ist… Das Gute ist, dass
Regisseur Bob Clark um den Mangel einer "Wer war's"-Spannung weiß.
Und dass er deshalb eine kleine Nebenhandlung einbaut um ein verschwundenes
Kind, dessen grausam zugerichtete Leiche eine Suchmannschaft im Park findet.
Dass er aber andererseits die grausigen Bluttaten gar nicht richtig zeigt – wie
schrecklich die Kindsleiche ist, ist ganz der Fantasie des Zuschauers
überlassen.
Auch baut Clark ein paar sehr einfallsreiche Morde ein. Die
vorlaute Barb wird gekillt, als sie in ihrem Bettchen schläft – Alkohol hat sie
eine Menge intus –, und zwar, indem die Mörderhand ihr das Einhorn ihrer
Glasmenagerie in den Körper rammt. Und das, während Jessy unten ist, auf den
nächsten obszönen Anruf wartet und von der Polizei die Anweisung hat, den
Anrufer so lang wie möglich hinzuhalten, um die Telefonverbindung rückverfolgen
zu können… Spannendes Finale, der Killer im eigenen Haus, Jagd treppauf und
treppab, Versteck im Keller, Peter geht auf sie zu – und auch hier Clarks
Meisterschaft: Was wir eh wissen, wird nicht gezeigt. Kampf zum Beispiel, große
Bluttaten – er weiß, dass der Effekt viel größer ist, wenn er nur das Hinterher
zeigt, oder das Nebenbei, oder das Währenddessen. Gerade so, als hätte er schon
jede Menge blutiger Slasher gesehen und wollte nun dem Ganzen etwas Neues,
Originelles hinzufügen… Am Ende Schock und Trauma, einer ist tot, und
wahrscheinlich ist es der Killer. Nur eine Kamerafahrt durchs Haus, in den
Dachboden, durchs Fenster hinaus in die winterliche Luft deutet sanft an, dass
das Böse immer weitergehen könnte. Einiges scheint sicher, anderes bleibt in
der Schwebe, und sanft werden wir aus diesem kleinen Meisterwerk entlassen.
Um uns im nächsten Film wiederzufinden. "Halloween III" – passt irgendwie:
Der erste Film erschien wie ein Sequel, der zweite ist tatsächlich eines, Teil
einer langen Franchisereihe, deren Anfang der große Überslasher ist, der
freilich "Black Christmas" einiges verdankt… Und wieder eine
Überraschung: Denn nix mit slash as slash
can. Keine Wiederauferstehung von Mr. Myers, der's einfach nicht lassen
kann. Nein, ei der Daus: Der dritte "Halloween"-Film ist vielleicht
ein Sequel im Franchise, aber keine Fortsetzung. Und das, obwohl doch die
Struktur der "Halloween"-Filme so gut etabliert wurde, inmitten des
Slasher-Booms der 1980er, in einer Welt, die nichts als das Gewohnte will!
Doch, so geht die Sage: John Carpenter wollte mit der
"Halloween"-Reihe jedes Jahr einen anderen Film drehen (lassen), ein
anderes Horror-Subgenre bedienen. Nächte des Grauens, alljährlich neu,
alljährlich anders! Allerheiligen-Themenfilme, die immer wieder was anderes
Schreckliches von dieser Schreckensnacht erzählen. Und jetzt stellen wir uns
Otto Normalkinogänger des Jahres 1982 vor, der den neuen "Halloween"
gucken will; produziert immerhin von Mr. Carpenter und dessen Kollegin Debra
Hill. Wird am Anfang des Films schon eingestimmt mit einer Datumsangabe, noch
sieben Tage bis Halloween, der Countdown läuft. Eine Auto-Verfolgungsjagd in
der Dämmerung, ein Mann wird gejagt, er flieht auf einen Schrottplatz, die
Verfolgen heben mit übermenschlichen Kräften Autowracks an, der Verfolgte
entkommt, versucht in einer Tankstelle Zuflucht zu finden – hier nun hören wir
zum ersten Mal den enervierenden Ohrwurm des Films, eine Elektro-Synthie-große
Sext, schnell gespielt, dann einsetzend ein verzerrter Gesang: Kinderlied als
Werbejingle, immer wieder im Film, bis man's nicht mehr aus'm Kopf kriegt, noch
soundsoviel Tage bis Halloween, ein wackelndes Maskengesicht, ein Hype um den
großen Event der Spielzeugfirma Silver Shamrock…
Zunächst aber haben wir immer noch keinen Schlitzer mit
Messer, nein, ein braver Familienvater kehrt heim. Wobei "heim" so
eine Sache ist: Er ist geschieden, guckt bei seiner Ex-Frau und den Ex-Kindern
vorbei, hat nicht mal so rechte Halloweengeschenke dabei. Weil Frauchen schon
die dollen Silver Shamrock-Masken gekauft hat, können die Kinder nichts mit ihm
anfangen, und dann schon wieder ein Notruf aus dem Krankenhaus. Ja, unser Held
ist Arzt, vielbeschäftigt, vielzubeschäftigt für Frau und Kinder. Im
Krankenhaus der Mann vom Anfang, verfolgt und fast getötet von den merkwürdigen
Herren mit ihren unmenschlichen Fähigkeiten. Und noch immer kein Messerstecher
in Sicht! Dafür diese Bösewichter, so was ähnliches wie die grauen Herren in
"Momo", einer taucht im Krankenhaus auf, eiskalt und ohne Regung
macht er den Alten alle, verschwindet dann seelenruhig zu seinem Auto, schüttet
Benzin über sich und explodiert.
Das erweckt das Interesse von Dr. Challis, zumal die Tochter
des im Krankenhaus Getöteten ihn aufsucht, und mittels einer sehr merkwürdigen
und völlig hanebüchenen Verhörsituation in einem Spielzeugladen sowie anhand
zusammengereimter Handlungsabläufe – wenn der und der am Wochenende da und
dahin ist, muss dieser und jener zu irgendeiner Zeit hie und dort gewesen sein
und deshalb… - - - jedenfalls fahren Dr. Challis und Ms Grimbridge zu Silver
Shamrock. Hier hat der Firmeninhaber, ein waschechter Ire, sich den ganzen Ort
untertan gemacht, und wir geraten in eine Paranoia-Thriller-Phase, die wirklich
gut ist. Mit Reminiszenzen an die 50er und an die 70er Jahre, damals, als das
Misstrauen so groß war, dass es sich in tolle Filme ergoss, von Verschwörungen
und von Massenbeeinflussung und von denen da oben, die machen was sie wollen,
weil sie der Feind sind. Wobei "die da oben" in diesem Fall nicht
Außerirdische sind; oder die kommunistische Führung; oder die US-Regierung:
Sondern der pure Kapitalist Conal Cochran, der Großes vorhat.
Dem Ganzen kommen Dan Challis und Ellie Grimbridge langsam
auf die Spur, sie nisten sich in einem Motel ein, bumsen erstmal kräftig, weil
Fräulein Grimbridge den guten Doktor gut findet. Dann in der Nacht aber im
Nachbarzimmer: Da gibt es eine Fehlfunktion, nämlich in einer der Silver
Shamrock-Halloween-Masken. Da ist so ein Chip drin; aus dem kommen
Laserstrahlen raus und zerschmelzen die nette Nachbarin, die eigentlich nur
neue Masken für ihren kleinen Spielzeugladen haben wollte. Schnurstracks kommen
die grauen Herren und räumen die Sauerei auf, und auch Conal Cochran persönlich
taucht auf und beruhigt Dan und Ellie: Das arme Opfer kommt selbstverständlich
sofort in die betriebseigene Klinik, ihr wird die bestmögliche medizinische
Betreuung zuteil werden… Jetzt ist es an der Zeit, diese seltsame Fabrik zu
besichtigen, Mr. Cochran persönlich führt Dan und Ellie sowie eine
durchgeknallte US-Hinterwäldler-Familie durch sein Werk, kann aber die Zweifel
bei unseren Helden nicht ausräumen.
Und jetzt dreht der Film durch. Hat er seine Zuschauer bis
hierhin verärgert, weil kein Michael Myers auftaucht, so kommen jetzt
computergesteuerte Masken, noch mehr Androiden und die Hexenkraft eines
geklauten und nach USA überführten Stonehenge-Hexenfelsen ins Spiel. Kurz: Was
zunächst als überraschende, aber konsequent durchgezogene Abkehr von der
Erfolgsformel durchaus überzeugte – denn der Zuschauer muss halt mit dem Film
gehen, nicht der Film sich dem Zuschauer anpassen, da hat Mr. Carpenter
vollkommen recht –; was also bis hierhin die Erwartungshaltung spannungsvoll
gegen den Strich bürstete, wird jetzt albern. Eine alte strickende Oma ist ein
Roboter, ebenso all die anderen Helfer von Conal Cochran, der in seiner
Freizeit nämlich gerne Maschinen baut, und warum also nicht superstarke Helferlein,
die all die Drecksarbeit wie Menschen umbringen etc. übernehmen. Vom
Stonehenge-Felsen werden kleine Stücke in die Masken-Chips eingebaut, die
Kinder sollen alle zu Halloween vor den TVs der Nation versammelt werden, alle
synchron dann umgepolt und zack ist die Familie tot. Dies nun wiederum ist das
Meisterwerk von diesem Mr. Cochran, der nämlich der Meinung ist, dass… ähm…
weiß nicht genau. Ich glaube es geht um ein Opferfest oder so. Für die Hexe.
Eine Hexe, die nie auftaucht.
Dafür eben dieser Firmenbesitzer, ein joviale Bonze, ein
netter älterer Herr, der für jeden ein freundliches Wort hat. Außer sein
Gegenüber ist ihm zuwider. Und von den grauen Haaren abgesehen – auch wenn sie
sehr schön frisiert sind: Dieser Herr Cochran ist ein vollendetes Muster für
den Unternehmertyp, den Mr. Donald Trump darstellt. Hemdsärmelig, volkstümlich,
zupackend. Und natürlich geht man über Leichen, wenn’s dem eigenen Wohle dient,
und natürlich macht man jeden fertig, von dem man annehmen könnte, dass er
einem irgendwann im Weg stehen könnte. Und natürlich ist man so reich, dass man
sich die Macht kaufen kann.
So visionär also "Halloween III" auf vielen Ebenen
ist: vom Widerwillen, das alte Rezept nochmal aufzukochen; vom gekonnten
Rückgriff auf die Paranoia-Geschichte des Kinos; bis zur Etablierung eines
Prototyps von Mensch, der dereinst gar Präsident werden könnte –; so visionär
der Film also ist, so hanebüchen und lächerlich wird seine Handlung, je weiter
sie voranschreitet. Bis zu einem Ende, das nun ganz und gar nicht mehr zum Rest
passt ---, ach es ist schade. Beziehungsweise eigentlich auch wieder nicht.
Denn was hier verpasst wurde – aus Paranoia-Stimmung eine spannende,
konsistente Handlung zu generieren –, das hat John Carpenter sechs Jahre später
mit "Sie leben" geschafft.
Harald Mühlbeyer
Grindhouse Nachlese September 2016 – Unterweltliches und Unterirdisches
Cinema Quadrat, Mannheim, 24. September 2016:
"Fluchtweg St.
Pauli – Großalarm für die Davidswache", BRD 1971, Regie: Wolfgang Staudte
"The Toy Box"
/ "Sexualrausch", USA 1971, Regie: Ronald Víctor García
(Bonus:
"Damnation
Alley" / "Straße der Verdammnis", USA 1977, Regie: Jack Smight
"Ich – ein
Groupie", Schweiz/BRD 1970, Regie: Erwin C. Dietrich)
Zunächst muss ich mir etwas von der Seele schreiben. Denn
sonst würde sie vielleicht noch platzen!
Über die Grindhouse-Nacht im Wonnemonat Mai nämlich konnte
ich aus Zeitgründen nicht berichten; aber immer, immer muss ich daran denken!
Zumal, wenn ich Musik höre. Der erste Film dieses Abends nämlich war
"Damnation Alley", und er ist eine Art inoffizielles Remake des Songs
"Electric Funeral" auf Black Sabbaths zweitem Album:
Robot minds of robot slaves lead them to atomic rage
plastic flowers, melting sun, fading moon falls upon
dying world of radiation, victims of man's frustration
Burning globe of oxygen fire, like electric funeral pyre.
plastic flowers, melting sun, fading moon falls upon
dying world of radiation, victims of man's frustration
Burning globe of oxygen fire, like electric funeral pyre.
Apokalypse durch totalen Atomschlag; nur wenige Überlebende.
Darunter Jan-Michael Vincent, seines Zeichens rebellischer Ex-Soldat, und
George Peppard, gestandener Offizier. Jawoll: Airwolf und A-Team in einem Film!
Sagenhaft. In einem selbstgebauten Fahrzeug, das aussieht wie der missratene
Bastard eines Müllcontainers, der von einem Akkordeon vergewaltigt worden war,
machen sie sich auf quer durch das verwüstete Amerika. In einem alten Zirkus
lesen sie eine Frau auf. Zwischendurch greifen Riesenmengen von unzerstörbaren
Kakerlaken an. Alles ist Wüste in USofA, unter einem Himmel, in den die ganze
große Kunst der Visual Effects einfließt, die dem Regisseur Jack Smight zur
Verfügung stand.
Gut: Das war nicht viel, diese Kunst; dafür aber hatte er
immerhin so viel Budget zur Verfügung – wohl um die 16 Millionen Dollar –, dass
er eine Riesenmenge elektronischer Bildeffekte in den Himmel malen konnte, so
was wie ganz frühe CGI. Das ganze Geld für einen blinkenden blitzenden bunten
elektrisch geladenen Himmel – nuja, für den Rest war dann halt nicht mehr so
viel übrig – aber immerhin alles vor "Mad Max"! Und die kongeniale
Bebilderung des heimlichen Inspirationssongs:
Flashes in the sky turn houses into sty
Turn people into clay, radiation minds decay.
Turn people into clay, radiation minds decay.
Musik übrigens eben auch im zweiten damaligen Film, Ingrid
Steeger in "Ich – ein Groupie", als zunächst ganz naive Jungfrau, die
von einem Konzert im Hyde Park erweckt wird. Sie macht mit dem Leadsänger rum,
verliebt sich total, während er sie nur als Groupie sieht, und mit Freundin
reist sie ihm quer durch Europa hinterher, erweitert dabei ihren sexuellen
Horizont. Drogen natürlich, rumbumsen, große Enttäuschung in der Liebe. Und
ganz gute Musik eigentlich, von 1970 ist der Film, wir hören damaligen
Krautrock unter anderem von "Birth Control" und "Murphy
Blend", irgendwann wird es schlimm, Heroin und Hell's Angels und schwarze
Messen und dann auch noch Lesbensex! Ganz naiv durchwandert Frau Steeger den
Film, meistens nackig, und das sieht natürlich super aus an ihr, halsabwärts.
Nackbaden. Joint und ausziehen im Wald. Motorradfahrt im Evakostüm. Und nicht
allzu viel im Oberstübchen. Haha: Sie reist lieber ihrer Illusion von Liebe
hinterher und lässt dafür ein Konzert am Freitag von einer Band namens Black
Sabbath aus. Dabei hätte sie da im Schnelldurchgang den ganzen Höllentrip haben
können!
Seele gereinigt. Keine Altlasten mehr. Sprung zu den
Septemberfilmen – da spielt die Musik. Nämlich so ein merkwürdiges
Jazz-Rock-Geplänkel auf dem Soundtrack, der ziemlich penetrant und aufdringlich
wirkt und das Schlechteste ist an Wolfgang Staudtes vorletztem Kinofilm: "Fluchtweg St. Pauli – Großalarm für
die Davidswache". Staudte ist einer der Könige des deutschen Kinos.
Einige der besten Nachkriegsfilme gehen auf sein Konto – der erste
übrigens auch, mit "Die Mörder sind unter uns", 1946. Im Herbst
seiner Karriere drehte er viel fürs Fernsehen, das Kino hatte ihn überholt:
Zwischen Sexreporten und Neuem Deutschen Film war kein Platz mehr für ihn.
"Fluchtweg St. Pauli" ist sein Versuch, einen Mittelweg zu finden:
Ein großes Unterwelt-Brüder-Drama, weniger mit Action als mit innerer Spannung;
und ein paar Einblicke ins St. Pauli-Milieu. Wobei der Film in der Tat
keineswegs reißerisch ist, ganz anders, als sein Titel vermuten lässt:
"Aber beim Titel fängt der Ärger schon wieder an", so wird Staudte im
von Egon Netenjakob, Eva Orbanz und Hans Helmut Prinzler herausgegebenen
"Staudte"-Band des Volker Spiess-Verlags zitiert, "'Fluchtweg
St. Pauli' wollten die Verleiher. Richtig schön provinziell, aber ich kann es
nicht ändern: ich bin ja nur der Regisseur."
Gleich am Anfang: Heinz, der Taxifahrer, gondelt eine
heftigst Betrunkene durch die Hamburger Nacht. Die sich auf der Rückbank nackig
auszieht, weshalb er sie auf der nächsten Polizeiwache – ratense mal, welche –
abliefert. Dort kennt man sie schon. Und Heinz auch: Weil sein Bruder wegen
Bankraubs einsitzt. Dieser Willy nun entfleucht aus dem Knast und sucht seine
Beute – die aber, Zeki Müller lässt schön grüßen, just im Dachboden eines
Hauses versteckt ist, das gerade abgerissen wird. Er braucht Geld, er haut
seinen braven Bruder Heinz an. Sein Komplize: Timpe, Heinz' Taxifahrerkollege.
Die Bösewichter entführen Willys Ehefrau, die inzwischen, während der Haft des
Göttergatten, mit Heinz glücklich geworden ist. Kommissar Knudsen kriegt das
alles mit, weil er von Klaus Schwarzkopf gespielt wird, der aussieht, als würde
er sowieso immer alles mitkriegen und würde unter der Last dieses Wissens am
liebsten einpacken und gehen. Aber er ist Beamter. Er muss den Fall durchstehen.
Das ist ziemlich spannend gemacht – zunächst freilich scheint
vor allem Kommissar Zufall das Drehbuch zusammengestoppelt zu haben, denn immer
ist irgendwer genau da, wo gerade was passiert; allmählich merkt man, dass das
Methode hat: Die Kamera weiß, wo das Schicksal wieder mal unbarmherzig
zuschlägt, und ist als unser Zeuge vor Ort. Große Action gibt es nicht – es
geht um das Zusammen- oder besser Gegeneinanderspiel der Figuren, um die Kreise,
die ihre Handlungen ziehen und die die Kreise der anderen stören. Gut: Das
alles ist offenbar ziemlich hastig und nicht sehr sorgfältig gefilmt; und
wahrscheinlich wegen der vielen Außenaufnahmen direkt on location wurden Ton und Sprache komplett nachsynchonisiert, was
dem Film eine gewissen Fremdheit verleiht. Zudem: Wenn man sich anschaut, was
zu jener Zeit einige Jungfilmer in Hamburg getrieben haben: Klaus Lemke mit "Rocker" zum Beispiel, oder Roland Klick mit "Supermarkt" – die haben einen
ebenso ungeschliffenen Ansatz, aber mehr jugendliche Energie, um ihn auch als
Weltbild, als Haltung, als Grundsatz zu präsentieren. Und wer Heinz Strunks
"Der goldene Handschuh" gelesen hat, bekommt einen noch viel
intimeren Blick in die Eingeweide von St. Pauli vorgeführt, als es Staudte je
könnte.
Als Thriller aber, als einer zumal, der einige Stars der
70er vereinen konnte: Horst Frank, Christiane Krüger, Heinz Reincke, Klaus
Schwarzkopf, funktioniert "Fluchtweg St. Pauli" sehr gut – ein
Unterweltsknaller, vielleicht nicht so hammerhart wie vor zwei Jahren hier beim
Grindhouse "Zinksärge für die Goldjungs" von Jürgen Roland,
aber dennoch ein starkes Stück Hamburg.
Starkes Stück: Das war sicherlich der zweite Film des
Abends. So etwas habe ich noch nie gesehen. Ein derart obskures,
zusammengeklopptes Machwerk, das mitten reinhaut in perverse Sexorgien, die
dazu angetan sind, dem aufgegeilten Filmpublikum ordentlich Zucker zu geben;
das dabei jede Art von Handlung über Bord wirft und dennoch Sinn und Bedeutung
behauptet, auch wenn diese noch nie vorhanden waren; und das am Ende abschließt
mit einer plötzlichen Science-Fiction-Idee, die den Film zu umschnüren versucht
so, als wolle man einen Pudding ohne Verpackung mit der Post verschicken. "The Toy Box" heißt der Film,
auf deutsch übersetzt: "Sexualrausch".
Zunächst haben wir eine Blondine, Donna, im Auto. Sie
spricht nicht, aber wir hören ihre Stimme, weil Gedanken und so. Gedanken, die
sich um Ralph drehen. Der hat einen Pornoschnurrbart und einen bitterlich
geilen Blick in den Augen. Und übergibt ihr, bevor er "noch was zu
erledigen" hat, im Auto ein Geschenk vom Onkel. Darin ein weißer Vibrator.
Die Gedanken von Donna rasen, soll ich, soll ich nicht, guckt Ralph zu oder
nicht, kurz: Sie tut es. Ralph nach seiner Rückkehr findet's gut. Und sie ist
auch happy.
Das ganze war, glaube ich, eine Rückblende auf das erste
Mal, als sie mit dem Onkel zu tun hatte und dabei ihre letzten Hemmungen
verloren hat. Inzwischen sind Donna und Ralph regelmäßig beim Onkel, weil's
dort hoch her geht. Der Onkel ist aber vielleicht tot. Das erfahren wir in
Dialogen, während Donna und Ralph miteinander rummachen auf dem Sofa. Bumsen, bumsen,
mit einigen gynäkologischen Einblicken zwischen Donnas Schenkel. Das Lustige
ist, dass die Dialoge den ganzen Film über zwar hör-, aber nicht sichtbar sind,
weil sich die Münder der Schauspieler nicht bewegen. Könnte Telepathie sein.
Vielleicht stand freilich auch beim Dreh die Handlung noch nicht fest, die dann
hinterher eingesprochen wurde.
Nach dem Bumsen jedenfalls geht’s los in Onkels Haus. Der
aber, wie gesagt, vielleicht nicht mehr lebt. Im Dachboden jedenfalls sitzt
sein Körper, der aussieht wie eine Rabbi-Fantasie aus einem Coen-Film. Hinterm
Karl Marx-Bart ein blasses Gesicht, dunkle Augen, alles bewegungslos. Aber den
Kopf kann er drehen, dann geht mechanisch der Mund auf, und wir hören seine
Stimme, ohne Lippenbewegungen. Was das soll, wissen wir nicht. Was das
Nacherzählen des Films auch noch schwieriger macht: Dass man vieles, vielleicht
gar alles erst im Nachhinein erschließen kann, freilich nie mit Sicherheit,
immer nur mit einem bestimmten Wahrscheinlichkeitsgehalt, was das Geschehen
angeht. Und dieses nachträglich erworbene Ahnen um die Hintergründe fließt in
die Inhaltsschilderung ein, so dass sich das vollkommen verwirrende Gefühl des
ersten Sehens dieses Films kaum schreibenderweis rekapitulieren lässt.
Unten, im Erdgeschoss, jedenfalls sind eine Menge Leute
versammelt, die sich immer wieder ausziehen, um zu bumsen. Allein, zu zweit, zu
vielt. Eine Performance gibt es auch, zwei Frauen, ein Mann, Römertoga, die
Frauen als Löwinnen, denen der Mann vorgeworfen wird, den sie dann vernaschen. Das
spielt sich zwar vor dem Orgienpublikum ab, könnte aber auch eines der Spiele
des Onkels sein, der nämlich zu den vollen Stunden einzelne oder mehrere der
Partygäste nach oben kommen lässt – bzw. er ruft sie nicht, sie wissen von allein,
was zu tun ist. Auf dem Dachboden nun führen sie Szenen sexueller Phantasien
vor, die wahr werden. Eine üppige Dame entkleidet sich vor dem Schminkspiegel,
aus ihrer Puderdose greift eine Hand nach ihren Brüsten, "OK, aber nur
kurz!", dann legt sie sich ins Bett und wird von den Bettlaken (!)
liebkost bis zum süßen Orgasmus. Dann öffnet sich eine Truhe für sie.
Ab und zu taucht plötzlich, aus dem Nichts, unten bei der
Orgie eine Leiche oder so was auf. Was treibt denn der Onkel heute?, wundern
sich die Leute, irgendwas ist anders als sonst.
Was hamwer noch. Einmal befindet sich ein Pärchen, das zum
Onkel rauf ist, plötzlich auf einer Wiese. Die Frau spricht – in der
amerikanischen Originalfassung! – deutsch, gekleidet sind sie nach der Mode des
Fin de siècle. Aber nicht lange, weil sie natürlich in der Natur bumsen. Eine
andere Szene: Ein Metzger hackt Fleisch. Hinter ihm hängen zwei nackte Frauen
an Fleischerhaken. Die eine Tote nimmt der Metzger ab, betatscht sie, befummelt
sie, bumst sie. Während er lustvoll dabei ist, hängt sich die andere Tote
selbst ab, kommt herzu und zerhackt den Metzger. Plötzlich sind die drei wieder
schauspielermäßig vor dem Onkel, der alles gut fand – soweit eine bleiche
Leiche etwas gut finden kann –, wie immer nach einer solchen Show öffnet sich eine
Kiste. Und wir begreifen: Unten die Orgie ist zum Aufgeilen der Menschen, die
dann vor dem Onkel eine Sexszene performen, nacheinander und im Voraus eingeübt
(so wie Donna und Ralph beim Bumsen auf dem Sofa), und der Onkel guckt als
guter alter Voyeur zu und belohnt aus der Spielzeugkiste – daher der Filmtitel.
In der Kiste: Ein Haufen Geld.
Derweil werden Donna und besonders Ralph misstrauisch. Es
stimmt was nicht, weil immer wieder Leichen auftauchen. Und wieder
verschwinden. Beide werden in der Abstellkammer eingesperrt, wo ihnen das
Gesicht des Onkels erscheint. Und wieder verschwindet. Eine Nackte ist auch da.
Und verschwindet wieder. Dann kommen sie wieder frei. Sind das Halluzinationen?
Spielchen des Onkels, der sie alle in der Hand hat mit seiner Spielzeugkiste?
Oder ist da mehr? Nach ca. einer Stunde Bumsen kommt es zum Finale. Das ist so
ungeheuerlich krass, dass man es gar nicht zu erzählen sich traut. Plötzlich
ist eine nackte Dame riesengroß, während Donna und Ralph ganz klein sind. Und
die Riesin redet was von einer anderen Welt. Und dann ist der Onkel ein Alien,
und noch wer, was wir aber nicht verraten. Was jedenfalls nicht passt zu
irgendwas von vorher. Aber die Welt geht unter, weil Onkel plus Komplizin die
Menschen mit Geilheit verdorben haben und sie nun mitnehmen auf einen anderen
Planeten, wo sie, wenn ich mich recht erinnere, zu Futter werden. Oder zu
Sexspielzeug. Wer weiß das schon.
Harald Mühlbeyer
